中国古代书法绘画艺术辉煌灿烂，它进入到中国文人的文化生活中，成为一门自成体系的艺术类别。
流传下来的大量古代书法绘画艺术作品为后人提供了相关的佐证。后人正在用现代的艺术眼光审视着这门古老的艺术。
这种跨越千年的文化传承，起始于一根根变幻莫测的神秘线条，而在线条的背后，是这个古老的国度对这个线条构筑的世界深深的迷恋和无休止的追寻。
中国民间文化是世世代代锤炼和传承的文化传统，其中凝聚着民族的性格、民族的精神、民族的真善美。中国民间文化放射着耀眼神奇的光芒，让人感受到中国元素的现代生命力及感染力。
仓颉何以被尊为造字圣人
仓颉，史皇氏，陕西省渭南市白水县人。《说文解字》记载：仓颉是黄帝时期造字的史官，被尊为造字圣人。
“昔者仓颉作书而天雨粟，夜鬼哭”！文字一出，人类从此由蛮荒岁月转向文明生活。古籍中称仓颉“龙颜四目，生有睿德。”
《通鉴外纪》上说：“仓颉见鸟兽之迹，体类象形而制字。”《北堂书钞》卷七引《随巢子》又说：“史皇产而能书。”相传当初仓颉也用结绳记事，绳结虽有大小和形状区别，但年久月深，难于辨识，曾造成黄帝同炎帝一次谈判的失利。为此仓颉深感愧疚，遂辞官出游，遍访智者，寻求记事的好方法。
几年之后，他返归故里，独居村西深沟之中，仰观奎星环曲走势，俯看龟背纹理、鸟兽爪痕、山川形貌和手掌指纹，从中受到启迪，根据事物形状创造了象形文字，揭开了人类文明的新纪元。
仓颉，原姓侯冈，名颉，号史皇氏，生于陕西省白水县杨武村鸟羽山。享年110岁，为轩辕黄帝左史官。我国原始象形文字的创造者，我国官吏制度及姓氏的草创人之一。
传说他仰观天象，俯察万物，首创了“鸟迹书”震惊尘寰，堪称人文始祖。黄帝感他功绩过人，乃赐以仓姓，意为君上一人，人下一君。由于仓颉造字功德感天，玉皇大帝也便赐给人间一场谷子雨，以慰劳圣功，这就是现在的“谷雨”节气。仓颉去世后，当地百姓在其墓葬处修有庙宇，并将这里的村庄取名为“史官村”。
什么是中国古代雅乐
雅乐的意思即优雅的音乐。中国古代的雅乐指的是宫廷音乐。雅乐的体系在西周初年制定，与法律和礼仪共同构成了贵族统治的内外支柱。以后一直是东亚乐舞文化的重要组成部分。宫廷雅乐乐谱在中国已失传，只有韩国、日本及越南尚有保存。
周武王建立周朝不久，就命周公姬旦制礼作乐，建立各种贵族生活中的礼仪和典礼音乐，使音乐为其王权统治服务。这一部分乐舞就是所谓的雅乐。它包含了远古图腾及巫术等宗教活动中的乐舞及祭祀音乐，也包含西周初期的民俗音乐。
《周礼》所记载的西周和春秋时期的各种贵族礼仪，其中与雅乐有关的有：郊社，祭天地神明的祭典；尝？，贵族祭其祖先的祭典；食飨，政治上外交上的宴会等，包括大飨、燕礼、大射、养老等等；射，乡里中官僚和地主们比射的集会；王师大献，战争胜利时举行的凯旋庆典；行军田役，用于军事演习性质的狩猎。
作为一种统治手段—礼乐教化的工具，乐舞艺术的地位和作用也被提到了前所未有的高度。
在周朝的礼仪活动中，严格的规定不同的场面使用不同的音乐。它的主要目的是使参加典礼的贵族受到伦礼教育的感化，造成一种庄严、肃穆、安静、和谐的气氛。
各种主要典礼音乐的歌词，大都载于《诗经》中的大雅、小雅、颂；少数属于南。
随着周朝的衰落和社会的发展，民间音乐逐步代替了雅乐。贵族们对雅乐渐感厌烦而去欣赏俗乐，如《乐记》所载，魏文侯“端冕而听古乐，则唯恐卧：听郑、卫之音，则不知倦。”因此孔子曾感叹地说：“礼崩乐坏”。相匹配典礼的雅乐，开始具有浓郁的生活气息，以后逐渐变得庄严神秘而又沉闷呆板。
什么是中国古代俗乐
古代各种民间音乐的泛称。宫廷中宴会时所用的俗乐，称为“燕乐”。雅乐是统治阶级制定的典礼乐舞，寻根究底，几乎都来自民间音乐，只不过改变了它的内容和情调而已。有著名琴曲《广陵散》《酒狂》《高山》《流水》《梅花三弄》等，琵琶曲《阳春古曲》《平沙落雁》《霓裳曲》，丝竹曲《春江花月夜》《老八板》，广东音乐《旱天雷》《雨打芭蕉》等，以及大量的寺院音乐、各地各种乐曲，其中不少是我国传统文化中的珍宝。
我国历史上第一支官方组建的俗乐乐队，就是曹操铜雀台上全部由女性组成的乐队。
诗经是最早的诗歌总集吗
《诗经》是我国第一部诗歌总集，收入自西周初年至春秋中叶五百多年的诗歌311篇，又称《诗三百》。先秦称为《诗》，或取其整数称《诗三百》。西汉时被尊为儒家经典，始称《诗经》，并沿用至今。
作为中国文学重要起点、又被奉为儒家经典的《诗经》，其特色对于后代文学的影响，也就非常之深远。
《诗经》是以抒情诗为主流的。以后的中国诗歌，大都是抒情诗；而且，以抒情诗为主的诗歌，在之后也成为中国文学的主要样式。
《诗经》中的诗歌，除了极少数几篇，完全是反映现实的人间世界和日常生活、日常经验。后来的中国诗歌乃至其它文学样式，其内容也是以日常性、现实性为基本特征；日常生活、日常事件、日常人物，总是文学的中心素材。
《诗经》在总体上，具有显著的政治与道德色彩。其意义虽主要在于要求维护合理合度的统治，给予人民以较为宽松、可以维持生存的条件，但这对于社会的发展，当然是有价值的。
《诗经》的很值得注意的一点是，中国后代的诗歌，也是以抒发忧伤之情较为普遍。
诗经六艺是什么意思
《诗经》六义指的是风、雅、颂，赋、比、兴，前三个说的是内容，后三个说的是手法。
《风》《雅》《颂》三部分的划分，是依据音乐的不同。《风》包括15部分，大部分是黄河流域的民间乐歌，称作“十五国风”共160篇；《雅》分为《小雅》74篇和《大雅》31篇，是宫廷乐歌，共105篇；《颂》包括《周颂》31篇，《鲁颂》4篇，和《商颂》5篇，是宗庙用于祭祀的乐歌和舞歌，共40篇。
风的意义就是声调。它是带有地方色彩的音乐古人所谓《秦风》《魏风》《郑风》，就如现在我们说陕西调、山西调、河南调。
”是王畿之乐，这个地区周人称之为夏、雅和夏古代通用。雅又有正的意思，当时把王畿之乐看作是正声，即典范的音乐。周代人把正声叫作雅乐，犹如清代人把昆腔叫作雅部，带有一种尊崇的意味。朱熹《诗集传》曰：“雅者，正也，正乐之歌也。其篇本有大小之殊，而先儒说又有正变之别。以今考之，正小雅，燕飨之乐也；正大雅，朝会之乐，受矨陈戒之辞也。辞气不同，音节亦异。”故而大小雅之异乃在于其内容。
颂是专门用于宗庙祭祀的音乐。《毛诗序》说：“颂者美盛德之形容，以其成功告于神明者也。”这是颂的含义和用途。王国维说：“颂之声较风、雅为缓。”这是其音乐的特点。
赋按朱熹《诗集传》中的说法，“赋者，敷也，敷陈其事而直言之者也”。就是说，赋是直铺陈叙述。是最基本的表现手法。如“死生契阔，与子成说。执子之手，与子偕老”，即是直接表达自己的感情。
比，用朱熹的解释，是“以彼物比此物”，也就是比喻之意。《诗经》中用比喻的地方很多，手法也富于变化。如《氓》用桑树从繁茂到凋落的变化来比喻爱情的盛衰；《鹤鸣》用“他山之石，可以攻玉”来比喻治国要用贤人；《硕人》连续用“荑”喻美人之手，“凝脂”喻美人之肤，“瓠犀”喻美人之齿，等，都是《诗经》中用比的佳例。
赋和比都是一切诗歌中最基本的表现手法，而兴则是《诗经》乃至中国诗歌中比较独特的手法。兴字的本义是起，因此又多称为“起兴”，对于诗歌中渲染气氛、创造意境起着重要的作用。
《诗经》中的兴，用朱熹的解释，是“先言他物以引起所咏之辞”，也就是借助其它事物为所咏之内容作铺垫。它往往用于一首诗或一章诗的开头。有时一句诗中的句子看似比似兴时，可用是否用于句首或段首来判断是否是兴。例卫风·氓中“桑之未落，其叶沃若”就是兴。
最原始的兴，只是一种发端，同下文并无意义上的关系，表现出思绪无端地飘移联想。就像秦风的《晨风》，开头“？彼晨风，郁彼北林”，与下文“未见君子，忧心钦钦”云云，很难发现彼此间的意义联系。虽然就这实例而言，也有可能是因时代悬隔才不可理解，但这种情况一定是存在的。就是在现代的歌谣中，仍可看到这样的兴。
兴又兼有了比喻、象征、烘托等较有实在意义的用法。但正因为兴原本是思绪无端地飘移和联想而产生的，所以即使有了比较实在的意义，也不是那么固定僵板，而是虚灵微妙的。
由于兴是这样一种微妙的、可以自由运用的手法，后代喜欢诗歌的含蓄委婉韵致的诗人，对此也就特别有兴趣，各自逞技弄巧，翻陈出新，不一而足，构成中国古典诗歌的一种特殊味道。
先秦历史散文指的是什么
先秦历史散文指的是由各朝、各国史官积累了大量档案资料，经过加工整理编纂成书，记载政治、军事、外交等各方面的事件及统治者和谋臣策士的言论。
先秦历史散文以叙事记言为主。代表作品有《尚书》《春秋》《左传》《国语》《战国策》等。
《左传》是《春秋左氏传》的简称，是用历史事实来解释《春秋》的著作，相传为鲁国史官左丘明所作。《春秋》是概括的记述历史，而《左传》则详细的记载事件本末细节，此书丰富多采，叙述了春秋时期各诸侯国政治、军事、外交等方面的情况和历史人物的言行。
《左传》擅长战争描写，它不仅把纷繁复杂的战争有条理的叙述出来，并且从大处着眼，通过人物对话，写出战争的性质，决定胜败的因素等内容。《曹刿论战》和《秦晋摇之战》等篇，都写得非常出色。
《国语》是战国时代出现的一种国别史，记载周王朝和诸侯各国的大事。它的思想性和艺术性远不及《左传》，然而它有的叙事比《左传》更鲜明生动，如写“厉王弭谤”和“勾践复国”的文字，就是这样。
《战国策》中的纵横家辩士，还擅长运用寓言进行说理、论证，如狐假虎威、画蛇添足等成语故事，都出自《战国策》。
《左传》和《战国策》对后世的散文家有着深刻影响。司马迁的《史记》，曾经大量采用这两书的材料，并汲取了它们的写作技巧和语言风格。汉代贾谊、晁错等人的政论文章，其雄辩风格得之于这两书也很多。历代史书的编撰，以至唐宋散文家在语言和表现方法上，也都受到先秦散文的影响。
汉赋的特点是什么
汉赋是在汉代涌现出的一种有韵的散文，它的特点是散韵结合，专事铺叙。从赋的形式上看，在于“铺采擒文”；从赋的内容上说，侧重“体物写志”。汉赋的内容可分为五类：一是渲染宫殿城市；二是描写帝王游猎；三是叙述旅行经历；四是抒发不遇之情；五是杂谈禽兽草木。而以前两者为汉赋之代表。赋是汉代最流行的文体。在两汉年间，一般文人多致力于这种文体的写作，因而盛极一时，后世往往把它看成是汉代文学的代表。
汉赋分为大赋和小赋。大赋又叫散体大赋，规模巨大，结构恢宏，气势磅礴，语汇华丽，往往是成千上万言的长篇巨制。西汉时的贾谊、枚乘、司马相如、扬雄，东汉时的班固、张衡等，都是大赋的行家．小赋扬弃了大赋篇幅冗长、辞藻堆砌、舍本逐末、缺乏情感的缺陷，在保留汉赋基本文采的基础上，创造出篇幅较小、文采清丽、讥讽时事、抒情咏物的短篇小赋，赵壹、蔡邕、祢衡等都是小赋的高手。
《唐诗三百首》编选背景是什么
乾隆二十八年春，蘅塘退士、即孙洙与他的继室夫人徐兰英相互商榷，开始编选《唐诗三百首》。编选这本书是有感于《千家诗》选诗标准不严，体裁不备，体例不一，希望以新的选本取而代之，成为合适的、流传不废的家塾课本。他们的选诗标准是“因专就唐诗中脍炙人口之作，择其尤要者”。既好又易诵，以体裁为经，以时间为纬。
《唐诗三百首》于1765年编辑完成，书的题目有的说脱胎于民谚“熟读唐诗三百首，不会做诗也会吟”，有的说取自“诗三百”，说法各不相同。
《唐诗三百首》共选入唐代诗人77位，计310首诗，其中五言古诗33首，乐府46首，七言古诗28首，七言律诗50首，五言绝句29首，七言绝句51首，诸诗配有注释和评点。
从唐代以后的一千二百余年间，每两年即有一本唐诗选本问世。在众多选本中，以《唐诗三百首》流传最广、影响最大，风行海内，老幼皆宜，雅俗共赏，成为屡印不止的最经典的选本之一。
《唐诗三百首》以成功务实的编法、简易适中的篇幅、通俗大众的观点、入选的精美诗歌打动着读者，成为儿童最成功的启蒙教材、了解中国文化的模范读本，对中国诗歌选编学、中国人的心理构成都有很大的影响。
宋词有哪些派别
宋词主要派别有婉约派和豪放派。
婉约派代表人物有柳永、晏殊、周邦彦、李清照、姜夔。代表作有柳永的《雨霖铃·寒蝉凄切》《蝶恋花·伫倚危楼风细细》，晏殊的《浣溪沙·一曲新词酒一杯》《浣溪沙·一向年光有限身》，周邦彦的《兰陵王·柳阴直》《蝶恋花·月皎惊乌栖不定》，李清照的《如梦令·常记溪亭日暮》《醉花阴·薄雾浓云愁永昼》，姜夔的《扬州慢·淮左名都》。
婉约派的特点，主要是内容侧重儿女风情。结构深细缜密，重视音律谐婉，语言圆润，清新绮丽，具有一种柔婉之美。内容比较窄狭。由于长期以来词多趋于宛转柔美，人们便形成了以婉约为正宗的观念。
就以李后主、柳永、周邦彦等词家为“词之正宗”，正代表了这种看法。婉约词风长期支配词坛，直到南宋姜夔、吴文英、张炎等大批词家，无不从不同的方面承受其影响。
豪放派代表人物有苏轼、辛弃疾、张元干、张孝祥等。代表作有苏轼的《念奴娇·赤壁怀古》《江城子·密州出猎》，辛弃疾的《破阵子·为陈同甫赋壮词以寄之》《永遇乐·京口北固亭怀古》，张元干的《贺新郎·梦绕神州路》，张孝祥的《六州歌头·长淮望断》，岳飞的《满江红·怒发冲冠》。
豪放派的特点，大体是创作视野较为广阔，气象恢弘雄放，喜用诗文的手法、句法和字法写词，语词宏博，用事较多，不拘守音律，北宋黄庭坚、晁补之、贺铸等人都有这类风格的作品。南渡以后，由于时代巨变，悲壮慷慨的高亢之调，应运发展，蔚然成风，辛弃疾更成为创作豪放词的一代巨擘和领袖。豪放词派不但屹然别立一宗，震烁宋代词坛，而且广泛地影响词林后学，从宋、金直到清代，历来都有标举豪放旗帜，大力学习苏、辛的词人。
元曲四大家都是谁
关汉卿，元代杂剧作家。是中国古代戏曲创作的代表人物。号已斋、己斋叟。与马致远、郑光祖、白朴并称为“元曲四大家”，关汉卿位于“元曲四大家”之首。代表作《窦娥冤》。
马致远，汉族，以字“千里”，晚年号“东篱”，以示效陶渊明之志。与关汉卿、郑光祖、白朴并称“元曲四大家”，是我国元代时著名大戏剧家、散曲家。代表作《汉宫秋》。
郑光祖，字德辉，汉族，平阳襄陵人。他是元代著名的杂剧家和散曲家，所作杂剧在当时“名闻天下，声振闺阁”。与关汉卿、马致远、白朴齐名，后人合称为“元曲四大家”。
所作杂剧可考者十八种，现存《周公摄政》《王粲登楼》《翰林风月》《倩女离魂》《无破连环》《伊尹扶汤》《老君堂》《三战吕布》等八种；其中，《倩女离魂》最著名，后三种被质疑并非郑光祖作品。除杂剧外，郑光祖写散曲，有小令六首、套数二套流传。代表作《倩女离魂》。
白朴原名恒，字仁甫，后改名朴，字太素，号兰谷。汉族，祖籍釽州，即今山西河曲附近，后徙居真定，即今河北正定县，晚岁寓居金陵即今南京市，终身未仕。他是元代著名的文学家、杂剧家，元曲四大家之一。代表作《墙头马上》。
元曲四大悲剧是什么
关汉卿的《窦娥冤》全称《感天动地窦娥冤》，写窦娥被无赖诬陷，又被官府错判斩刑的冤屈故事：楚州贫儒窦天章因无钱进京赶考，无奈之下将幼女窦娥卖给蔡婆家为童养媳。窦娥婚后丈夫去世，婆媳相依为命。
蔡婆外出讨债时遇到流氓张驴儿父子，被其胁迫。张驴儿企图霸占窦娥，见她不从便想毒死蔡婆以要挟窦娥，不料误毙其父。张驴儿诬告窦娥杀人，官府严刑逼讯婆媳两人，窦娥为救蔡婆自认杀人，被判斩刑。窦娥在临刑之时指天为誓，死后将血溅白绫、六月降雪、大旱三年，以明己冤，后来果然都应验。三年后窦天章任廉访使至楚州，见窦娥鬼魂出现，于是重审此案，为窦娥申冤。
《窦娥冤》是关汉卿的代表作，也是我国古代悲剧的代表作。它的故事渊源于《列女传》中的《东海孝妇》。但关汉卿并没有局限在这个传统故事里，去歌颂为东海孝妇平反冤狱的于公的阴德；而是紧紧扣住当时的社会现实，用这段故事，真实而深刻的反映了元蒙统治下中国社会极端黑暗、极端残酷、极端混乱的悲剧时代，表现了中国人民坚强不屈的斗争精神和争取独立生存的强烈要求。
它成功地塑造了窦娥这个悲剧主人公形象，使其成为元代被压迫、被剥削、被损害的妇女的代表，成为元代社会底层善良、坚强而走向反抗的妇女的典型。
白朴的《梧桐雨》是他的名作，是一部宫廷爱情悲剧，全名为《唐明皇秋夜梧桐雨》。是描写唐明皇、杨贵妃两人爱情故事的历史剧，以浓郁的抒情性、醇厚的诗味和文辞的华美著称。这一剧本取材于唐代陈鸿的传奇小说《长恨歌传》和白居易的诗歌《长恨歌》。
马致远的《汉宫秋》写西汉元帝受匈奴威胁，被迫送爱妃王昭君出塞和亲。王昭君美貌异常，但因不肯贿赂毛延寿，被他在美人图上点上破绽，因此入宫后独处冷宫。
汉元帝深夜偶然听到昭君弹琵琶，爱其美色，将她封为明妃，又要将毛延寿斩首。毛延寿逃至匈奴，将昭君画像献给呼韩邪单于，让他向汉王索要昭君为妻。
元帝舍不得昭君和番，但满朝文武怯懦自私，无力抵挡匈奴大军入侵，昭君为免刀兵之灾自愿前往，元帝忍痛送行。单于得到昭君后大喜，率兵北去，昭君不舍故国，在汉番交界的黑龙江里投水而死。单于为避免汉朝寻事，将毛延寿送还汉朝处治。汉元帝夜间梦见昭君而惊醒，又听到孤雁哀鸣，伤痛不已，后将毛延寿斩首以祭奠昭君。《汉宫秋》全名《破幽梦孤雁汉宫秋》。
纪君祥的《赵氏孤儿》全名《冤报冤赵氏孤儿》，又名《赵氏孤儿大报仇》。内容叙述晋灵公武将屠岸贾仅因其与忠臣赵盾不和与嫉妒赵盾之子赵朔身为驸马，竟杀灭赵盾家三百人，仅剩遗孤被程婴所救出。屠岸贾下令将全国一月至半岁的婴儿全部杀尽，以绝後患。
20年后，孤儿长成，程绘图历教史实，终报前仇。作品描写了忠正与奸邪的矛盾冲突，揭露了权奸的凶残本质，歌颂了为维护正义、舍己为人的高贵品质，气势悲壮，感人肺腑。
中国古典十大名曲都是什么
中国十大古典名曲指的是高山流水、梅花三弄、夕阳箫鼓、汉宫秋月、阳春白雪、渔樵问答、胡茄十八拍、广陵散、平沙落雁、十面埋伏。单单听了这些名字就已经神为之夺，中国韵味之美，由此可见一斑。
据说俞伯牙在江边抚琴，唯钟子期从中听懂山之雄浑、水之幽深；春江明月初升，一叶扁舟，一点渔火，在月下随水漂浮；寒梅迎霜傲雪，疏影弄月，暗香轻度，清奇挺拔；
离乡背井的凄凉中夹杂着离别后的思念，如泣如诉，身陷十面埋伏，耳听四面楚歌，空有拔山之力，可惜英雄气短，别姬自刎，痛何如哉；秋月秋风秋夜长，孑影徘徊思故乡，如此寂寞，卿何以堪；自稽康辞世，从此而绝的广陵散，再现当年聂政刺王的侠肝义胆。凡此种种，今人有兴有幸得见，可谓幸甚。
高山流水讲的是什么故事
传说春秋的琴师俞伯牙一次在荒山野地弹琴，樵夫钟子期竟能领会这是描绘“巍巍乎志在高山”和“洋洋乎志在流水”。伯牙惊曰：“善哉，子之心与吾同。”子期死后，伯牙痛失知音，摔琴断弦，终身不操，故有高山流水之曲。
高山流水取材于“伯牙鼓琴遇知音”，有多种谱本。有琴曲和筝曲两种，两者同名异曲，风格完全不同。
古代琴曲。战国时已有关于高山流水的琴曲故事流传，故亦传《高山流水》系伯牙所作。乐谱最早见于明朝《神奇秘谱》，此谱之《高山》《流水》解题有：“《高山》《流水》二曲，本只一曲。初志在乎高山，言仁者乐山之意。后志在乎流水，言智者乐水之意。至唐分为两曲，不分段数。至来分高山为四段，流水为八段。”两千多年来，《高山》《流水》这两首著名的古琴曲与伯牙鼓琴遇知音的故事一起，在人民中间广泛流传。
随着明清以来琴的演奏艺术的发展，《高山》《流水》有了很大变化。《传奇秘谱》本不分段，而后世琴谱多分段。明清以来多种琴谱中以清朝唐彝铭所编《天闻阁琴谱》中所收川派琴家张孔山改编的《流水》尤有特色，增加了以“滚、拂、绰、注”手法作流水声的第六段，又称“七十二滚拂流水”，以其形象鲜明，情景交融而广为流传。
据琴家考证，在《天闻阁琴谱》问世以前，所有琴谱中的《流水》都没有张孔山演奏的第六段，全曲只八段，与《神奇秘谱》解题所说相符，但张孔山的传谱已增为九段，后琴家多据此谱演奏。
另有筝曲《高山流水》，音乐与琴曲迥异，同样取材于“伯牙鼓琴遇知音”。现有多种流派谱本。而流传最广，影响最大的则是浙江武林派的传谱，旋律典雅，韵味隽永，颇具“高山之巍巍，流水之洋洋”貌。
山东派的《高山流水》是《琴韵》《风摆翠竹》《夜静銮铃》《书韵》四个小曲的联奏，也称《四段曲》《四段锦》。
河南派的《高山流水》则是取自于民间《老六板》板头曲，节奏清新明快，民间艺人常在初次见面时演奏，以示尊敬结交之意。这三者及古琴曲《高山流水》之间毫无共同之处，都是同名异曲，风格也完全不同。
《高山流水》一曲被录入金唱片上，于1977年8月22日发射到太空，向宇宙星球的高级生物传道中华民族的智慧和文明信息。
广陵散讲的是什么故事
据《琴操》记载：战国聂政的父亲，为韩王铸剑，因延误日期，而惨遭杀害。聂政立志为父亲报仇，入山学琴十年，身成绝技，名扬韩国。韩王召他进宫演奏，聂政终于实现了刺杀韩王的报仇夙愿，自己毁容而死。后人根据这个故事，谱成琴曲，慷慨激昂，气势宏伟，为古琴著名大曲之一。
广陵散是古琴曲。又名《广陵止息》，据《战国策》及《史记》中记载：韩国大臣严仲子与宰相侠累有宿仇，而聂政与严仲子交好，他为严仲子而刺杀韩相，体现了一种“士为知己者死”的情操。这是一种比较普遍的看法，《神奇秘谱》关于此曲的标题就是源于这个故事。
东汉蔡邕的《琴操》谈到与该曲相关的历史故事：聂政是战国时期韩国人，其父因为韩王铸剑，违了期限，被韩王所杀。聂政为父报仇行刺失败，但他知道韩王好乐后，遂毁容，入深山，苦学琴艺十余年。身怀绝技返韩时，已无人相识。于是，找机会进宫为韩王弹琴时，从琴腹内抽出匕首刺死韩王，他自己当然也是壮烈身亡了。近代琴家杨时百，其所编《琴学丛书》的《琴镜》中就认为此曲源于河间杂曲《聂政剌韩王曲》。
平沙落雁抒发了怎样的心胸
明朝此曲称《落雁平沙》。曲调悠扬流畅，通过时隐时现的雁鸣，描写雁群降落前在天空盘旋顾盼的情景。
《平沙落雁》是一首古琴曲，有多种流派传谱，其意在借鸿鸪之远志，写逸士之心胸。
平沙落雁：古琴曲，最早刊于明代《古音正宗》又名《雁落平沙》。自其问世以来，刊载的谱集达五十多种，有多种流派传谱，仅1962年出版的《古琴曲集》第一集收入了六位琴家的演奏谱，关于此曲的作者，有唐朝陈立昂之说；宋朝毛敏仲、田芝翁之说，又有说是明代朱权所作。因无可靠史料，很难证实究竟出自谁人之手。
《平沙落雁》的曲意，各种琴谱的解题不一。《古音正宗》中说此曲：“盖取其秋高气爽，风静沙平，云程万里，天际飞鸣。借鸿鸪之远志，写逸士之心胸也。通体节奏凡三起三落。初弹似鸿雁来宾，极云霄之缥缈，序雁行以和鸣，倏隐倏显，若往若来。其欲落也，回环顾盼，空际盘旋；其将落也。息声斜掠，绕洲三匝，其既落也，此呼彼应，三五成群，飞鸣宿食，得所适情：子母随而雌雄让，亦能品焉。”这段解题对雁性的描写极其深刻生动。全曲委婉流畅，隽永清新。
十面埋伏是描述垓下之战的吗
曲描写公元前202年楚汉战争在垓下最后决战的情景。项羽自刎于乌江，刘邦取得胜利。十面埋伏是蓍名琵琶传统大套武曲，前身是明代的《楚汉》。描绘了楚汉相争中垓下之战的情景，故事性极强。
曲谱最早见于1818年华秋萍的《琵琶谱》，而在此谱之前，只有描绘同样题材的《楚汉》。
明代王猷定《汤琵琶传》中，记有被时人称为“汤琵琶”的汤应曾弹奏《楚汉》时的情景：“当其两军决战时，声动天地，瓦屋若飞坠。徐而察之，有金声、鼓声、剑弩声、人马辟易声，俄而无声，久之有怨而难明者，为楚歌声；凄而壮者，为项王悲歌慷慨之声、别姬声。陷大泽有追骑声，至乌江有项王自刎声，余骑蹂践争项王声。使闻者始而奋，既而恐，终而涕泣之无从也。”
从这段描述可看出，汤应曾弹奏的《楚汉》与《十面埋伏》在情节及主题上一致，由此可见早在16世纪之前，此曲已在民间流传。
渔樵问答抒发怎样的情怀
渔樵问答是一首流传了几百年的古琴名曲，反映的是一种隐逸之士对渔樵生活的向往，希望摆脱俗尘凡事的羁绊。音乐形象生动，精确。
渔樵问答曲谱最早见于《杏庄太音续谱》：“古今兴废有若反掌，青山绿水则固无恙。千载得失是非，尽付渔樵一话而已”。
此曲反映的是一种隐逸之士对渔樵生活的向往，希望摆脱俗尘凡事的羁绊。音乐形象生动，精确。
渔樵问答是一首流传了几百年的名曲，现在的谱本有多种。《琴学初津》云此曲：“曲意深长，神情洒脱，而山之巍巍，水之洋洋，斧伐之丁丁，橹声之腪乃，隐隐现于指下。”由于音乐形象准确、生动，因此近几百年来在琴家中广为流传。
乐曲开始曲调悠然自得，表现出一种飘逸洒脱的格调，上下句的呼应造成渔樵对答的情趣。主题音调的变化发展，并不断加入新的音调，加之滚拂技法的使用，至第七段形成高潮。
刻划出隐士豪放无羁，潇洒自得的情状。其中运用泼刺和三弹的技法造成的强烈音响，应和着切分的节奏，使人感到高山巍巍，樵夫咚咚的斧伐声。第一段末呈现的主题音调经过移位，变化重复贯穿于全曲，给人留下深刻的印象。
汉宫秋月表现怎样的幽情
汉宫秋月意在表现古代受压迫宫女幽怨悲泣情绪，唤起人们对她们不幸遭遇的同情。原为崇明派琵琶曲，现流传有多种谱本及演奏形式，乐曲表现了古代宫女哀怨悲愁的情绪及一种无可奈何、寂寥清冷的生命意境。
汉宫秋月原为崇明派琵琶曲，现流传有多种谱本，由一种乐器曲谱演变成不同谱本，且运用各自的艺术手段再创造，以塑造不同的音乐形象，这是民间器乐在流传中常见的情况。汉宫秋月现流传的演奏形式有二胡曲、琵琶曲、古筝曲、江南丝竹等。主要表达的是古代宫女哀怨悲愁的情绪及一种无可奈何、寂寥清冷的生命意境。
汉宫秋月有二胡《汉宫秋月》、江南丝竹《汉宫秋月》和琵琶曲《汉宫秋月》。
梅花三弄表现梅花什么品格
梅花三弄是一首古琴曲，由笛曲改编而来，全曲表现了梅花洁白，傲雪凌霜的高尚品性。梅花三弄又名《梅花引》《玉妃引》，是中国传统艺术中表现梅花的佳作。《神奇秘谱》记载此曲最早是东晋桓伊所奏的笛曲。
郭茂倩《乐府诗集》卷第二十四刘宋鲍照《梅花落》解题称，“《梅花落》本笛中曲也”，“今其声犹有存者”。今存唐诗中亦多有笛曲《梅花落》的描述，说明南朝至唐间，笛曲《梅花落》较为流行。
关于《梅花三弄》的乐曲内容，历代琴谱都有所介绍，南朝至唐的笛曲《梅花落》大都表现怨愁离绪的情感。
明清琴曲《梅花三弄》多以梅花凌霜傲寒，高洁不屈的节操与气质为表现内容，“桓伊出笛吹三弄梅花之调，高妙绝伦，后人入于琴。”“梅为花之最清，琴为声之最清，以最清之声写最清之物，宜其有凌霜音韵也”“三弄之意，则取泛音三段，同弦异徵云尔。”从这里可看出，它首先是一首笛曲，后来才改编成古琴曲。
此曲结构上采用循环再现的手法，重复整段主题三次，每次重复都采用泛音奏法，故称为《三弄》。体现了梅花洁白，傲雪凌霜的高尚品性。1972年王建中改编成钢琴曲，音调取自此曲，表现的主题则是毛泽东词《咏梅》。
曲中泛音曲调在不同徽位上重复三次，故称“三弄”。乐曲通过歌颂梅花不畏寒霜、迎风斗雪的顽强性格，来赞誉具有高尚情操之人。
阳春白雪是写初春美景的吗
阳春白雪为琵琶套曲。相传为春秋时期的晋国师旷或齐国刘涓子所作。阳春取万物知春，和风荡涤之意，白雪取懔然清洁，雪竹琳琅之音。
现存琴谱中的《阳春》和《白雪》是两首器乐曲，《神奇秘谱》在解题中说：“《阳春》取万物知春，和风淡荡之意；《白雪》取凛然清洁，雪竹琳琅之音。”
阳春白雪表现的是冬去春来，大地复苏，万物欣欣向荣的初春美景。旋律清新流畅，节奏轻松明快。
阳春白雪由民间器乐曲牌仪《八板》的多个变体组成的琵琶套曲。“八板头”变体的循环再现，各个《八板》变体组合在一起形成变奏的关系，后又插入了《百鸟朝凤》的新材料，因此它是一首具有循环因素的变奏体结构。
阳春白雪流传有两种不同版板，“大阳春”和“小阳春”，《大阳春》指李芳园、沈浩初整理的十段、十二段乐谱。《小阳春》是汪昱庭所传，又名《快板阳春》，流传很广。
胡笳十八拍是谁的作品
胡笳十八拍原是一首琴歌，据传为蔡文姬作，由18首歌曲组合的声乐套曲，由琴伴唱，表现了文姬思乡、离子的凄楚和浩然怨气。现以琴曲流传最为广泛。
东汉末大乱，连年烽火，蔡文姬在逃难中被匈双所掳，流落塞外，后来与左贤王结成夫妻，生了两个儿女。在塞外她度过了12个春秋，但她无时无刻不在思念故乡。曹操平定了中原，与匈奴修好，派使邪路用重金赎回文姬，于是她写下了著名长诗《胡笳十八拍》，叙述了自己一生不幸的遭遇。
琴曲中有《大胡笳》《小胡笳》《胡笳十八拍》琴歌等版本。曲调虽然各有不同，但都反映了蔡文姬思念故乡而又不忍骨肉分离的极端矛盾的痛苦心情。音乐委婉悲伤，撕裂肝肠。
唐代琴家黄庭兰以擅弹此曲著称。李颀的《听董大弹胡笳》诗中有：“蔡女昔造胡笳声，一弹一十有八拍，胡人落泪沾边草，汉使断肠对客归。”在琴曲中，文姬移情于声，借用胡笳善于表现思乡哀怨的乐声，融入古琴声调之中，表现出一种浩然的怨气。
此曲全段都离不开一个凄字，被改编成管子独奏，用管子演奏时那种凄切哀婉的声音直直的透入人心，高则苍悠凄楚，低则深沉哀怨。
蔡文姬作的《胡笳十八拍》被郭沫若称道为“是一首自屈原《离骚》以来最值得欣赏的长篇抒情诗”。
元曲四大爱情剧是什么
关汉卿的《拜月亭》也称《王瑞兰闺怨拜月亭》《蒋世隆拜月亭》。事写在战乱逃亡之中，王瑞兰与母亲失散，书生蒋世隆也与妹瑞莲失散。世隆与瑞兰相遇，共同逃难中产生感情，私下结为夫妇。瑞莲则与瑞兰的母亲结伴同行。瑞兰的父亲偶然在客店遇到瑞兰，嫌弃世隆是个穷秀才，门户不相称，催逼瑞兰撇下生病的世隆，跟自己回家，在路上又与老妻及瑞莲相遇。
瑞兰一直惦念着世隆，焚香拜月，祷祝世隆平安，心事被瑞莲撞破。两人得知情由，姐妹之外又成姑嫂，愈加亲密。蒋世隆与逃难途中的结义兄弟分别高中文武状元，被势利的瑞兰之父招为女婿。世隆与瑞兰相见，知她情贞，夫妻终于团聚。瑞莲则与世隆的结义兄弟成婚。
王实甫的《西厢记》全名《崔莺莺待月西厢记》。《西厢记》最突出的成就是从根本上改变了《莺莺传》的主题思想和莺莺的悲剧结局，把男女主人公塑造成在爱情上坚贞不渝，敢于冲破封建礼教的束缚，并经过不懈的努力，终于得到美满结果的一对青年。
这一改动，使剧本反封建倾向更鲜明，突出了“愿普天下有情人都成眷属”的主题思想。在艺术上，剧本通过错综复杂的戏剧冲突，来完成莺莺、张珙、红娘等艺术形象的塑造，使人物的性格特征生动鲜明，加强了作品的戏剧性。
《西厢记》的曲词华艳优美，富于诗的意境，可以说每支曲子都是一首美妙的抒情诗。曹雪芹在《红楼梦》中，通过林黛玉的口，称赞它“曲词警人，余香满口”。
白朴的《墙头马上》是一部具有浓厚喜剧色彩的爱情戏。属于杂曲之中的言情。此剧的素材，源于白居易的《井底引银瓶》一诗。白诗记述一个婚姻悲剧故事：一个女子爱上了一位男子，同居了五六年，但被家长认为“聘则为妻奔则妾”，逐出家门。
在“始乱终弃”的社会风气中，白居易对这不幸的女子给予同情，并对世人提出“寄言痴小人家女，慎勿将身轻许人”的告诫。白朴在戏中所写的内容，大致与《井底引银瓶》一诗相同，但它表现的思想倾向，则与原诗迥异。整个剧本，洋溢着火热的激情。它描绘女子大胆地追求爱情，勇敢地向封建家长挑战，成为一曲歌颂婚姻自由的赞歌。
郑光祖的《倩女离魂》全名《迷青琐倩女离魂》，是根据唐代传奇文《离魂记》改编而成的。唐朝时期，衡阳郡张镒的女儿倩娘十分漂亮，爱上她的表哥王宙。张镒忘记他的承诺而将倩娘另嫁。王宙痛苦地离开衡阳，夜晚倩娘追他而去，与他一起逃到四川成都家。十几年才回衡阳，回来发现一起去成都的只是倩娘的灵魂。
文房四宝有什么讲究
中国独有的文书工具，即笔、墨、纸、砚。文房四宝之名，起源于南北朝时期。历史上，“文房四宝”所指之物屡有变化。在南唐时，“文房四宝”特指诸葛笔、徽州李廷圭墨、澄心堂纸，江西婺源龙尾砚。自宋朝以来“文房四宝”则特指湖笔，即浙江省湖州、徽墨，即安徽省徽州、宣纸，即安徽省宣州、端砚，即广东省肇庆，古称端州。
文房四宝之笔：最早的毛笔，大约可追溯到两千多年之前。西周以上虽然迄今尚未见有毛笔的实物，但从发现的史前彩陶。
我国的书写用笔起源很早。根据未经刀刻过的甲骨文字判断，夏商时期就已经有原始的笔了。如果再从新石器时期彩陶上面的花纹图案来看，笔的产生还可以追溯到五千多年以前。到春秋战国时期，各国都已经制作和使用书写用笔了。那时笔的名称繁多：吴国叫“不律”，燕国叫“弗”，楚国叫“幸”，秦国叫“笔”。秦始皇统一全国以后，笔就成了定名，一直沿用至今。
古笔的品种较多，从笔毫的原料上来分，就曾有兔毛、白羊毛、青羊毛、黄羊毛、羊须、马毛、鹿毛、麝毛、獾毛、狸毛、貂鼠毛、鼠须、鼠尾、虎毛、狼尾、狐毛、獭毛、猩猩毛、鹅毛、鸭毛、鸡毛、雉毛、猪毛、胎发、人须、茅草等。从性能上分，则有硬毫、软毫、兼毫。从笔管的质地来分，又有水竹、鸡毛竹、斑竹、棕竹、紫擅木、鸡翅木、檀香木、楠木、花梨木、况香木、雕漆、绿沉漆、螺细、象牙、犀角、牛角、麟角、玳瑁、玉、水晶、琉璃、金、银、瓷等，不少属珍贵的材料。
文房四宝之墨：墨给人的印象似稍嫌单一，但却是古代书写中必不可缺的用品。
在人工制墨发明之前，一般利用天然墨或半天然墨来做为书写材料。史前的彩陶纹饰、商周的甲骨文、竹木简牍、缣帛书画等到处留下了原始用墨的遗痕。文献记载，古代的墨刑、墨绳、墨龟也均曾用墨。
经过这段漫长的历程，至汉代，终于开始出现了人工墨品。这种墨原料取自松烟，最初是用手捏合而成，后来用模制，墨质坚实。据东汉应劭《汉官仪》记载：“尚书令、仆、丞、郎，月赐愉麋大墨一枚，愉麋小墨一枚。”愉麋在今陕西省千阳县，靠近终南山，其山右松甚多，用来烧制成墨的烟料，极为有名。
从制成烟料到最后完成出品，其中还要经过入胶、和剂、蒸杵等多道工序，并有一个模压成形的过程。墨模的雕刻就是一项重要的工序，也是一个艺术性的创造过程。
墨之造型大致有方、长方、圆、椭圆、不规则形等。墨模一般是由正、背、上、下、左、右六块组成，圆形或偶像形墨模则只需四板或二板合成。内置墨剂，合紧锤砸成品。款识大多刻于侧面，以便于重复使用墨模时，容易更换。墨的外表形式多样，可分本色墨、漆衣墨、漱金墨、漆边墨。
文房四宝之纸：纸是中国古代四大发明之一，曾经为历史上的文化传播立下了卓著功勋。传统的宣纸手工纸依然体现着它不可替代的作用，焕发着独有的光彩。古纸在留传下来的古书画中尚能一窥其貌。
在纸张发明之前的很长一段时间内，人们是采用什么来作为记事材料的呢？根据文献和实物资料，最早的人们是采用结绳来记事的，遇事打个结，事毕解去。后来又在龟甲兽骨上刻辞，所谓“甲骨文”。
在青铜产生以后，又在青铜器上铸刻铭义，即“金文”或“钟鼎文”。再后，将字写在用竹、木削成的片上，称“竹木简”，如较宽厚的竹木片则叫“牍”。同时，有的也写于丝织制品的嫌帛上。先秦以前，除以上记事材料外，还发现了刻于石头上的文字，比如著名的“石鼓文”。
西汉初年，政治稳定，思想文化十分活跃，对传播工具的需求旺盛，纸作为新的书写材料应运而生。从迄今为止的考古发现来看，造纸术的发明不晚于西汉初年。
从出土古纸自身的年代顺序，可以分别排列为：西汉早期的放马滩纸，西汉中期的灞桥纸、悬泉纸、马圈湾纸、居延纸，西汉晚期的旱滩坡纸。这些纸不但都早于蔡伦纸，而且有些纸上还有墨迹字体，说明已用于文书的书写。
文房四宝之砚：砚，也称“砚台”，被古人誉为“文房四宝之首”。因为墨须加水发磨始能调用，而发墨之石刑则是砚。
最著名的是广东肇庆的端砚、安徽的歙砚、山东鲁砚、江西龙尾砚、山西澄泥砚。砚台的讲究是：质细地腻、润泽净纯、晶莹平滑、纹理色秀、易发墨而不吸水。有的有乳，有的有眼，有的有带，有的有星，大约产于有山近水之地为佳。
如端砚之出于斧柯，浴在江渭端溪之渚坑中。虽同出一地，其石质也有所不同，如有青花、天青者、蕉叶白、鱼脑冻、冰纹金星、罗纹、眉子、红丝、燕子、紫金石、龟石、等。石佳还须工精，砚台的雕工制作早已形成了一门艺术，从取石、就料、开型、出槽、磨平，雕花等都可运其匠心。有的精品砚已不实用，以其名贵只能作古董观赏、珍藏，而舍不得濡水发墨了。砚的名贵，有以石质贵者，有以制作贵者，有以名人用而贵者等。
砚需常洗，不得与沾染，每发墨必须砚净水新。墨锭则愈古旧愈好，因时间愈久其胶自然消解，但水不能储旧，而必须加新。如恐沾油，洗时可用莲蓬或旧茶叶刷涤。加水以微温为好，切勿以滚水价值加之，以防爆裂。所以书家不但应懂得用砚，还应会养砚。
笔、墨、纸、砚，各有各的用途，各有各的讲究，所谓“名砚清水，古墨新发，惯用之笔，陈旧之纸”，合起来是整个一套，再写出我们的文字，综合成为我们独特的传统书法艺术。它不但为我们自我欣赏，而是越来越得到了世界各国人们的瞩目、珍爱。
中国绘画六大要素是什么
一是线条。中国画的主要造型手段是使用中国书法的线条，至少写意画用的是行书或草书甚至是狂草的线条，工笔画常用的很工整的线条是楷书的线条，当然比起楷书文字笔画来要长的多，但笔法是一样的。
二是造型，准中求质。中国画中的造型应该是指画什么要像什么，即使是变形与夸张也要在写实的基础上进行，也就是把“写形”作为“写神”的一种手段。造型是一种提升，是对形与神的综合塑与传达。
三是结构。中国画的基本结构法起源于书法结构，所以中国画的基本结构法就是中国书法的结构法。中国画的构图法“置陈布势”与中国书法字的结构法“结体布局”有密切联系。前者来源于后者，画的用笔与书法用笔相同，故有“书画同源”之说。但画之有法后于书，而不同于书。俗话说，书法家不一定是画家，画家却一定会书法。
四是明暗。中国古典绘画中的光，大都是表现明暗分布的。现代中国画中的光，不仅表现明暗分布，而且成为刻画形象、突出主题、表现画家情感的新艺术语言。现代中国画家的这种创造，对中国画的革新与发展功不可没。
五是空间。画山水画的时候，有高远、平远、深远这三远之说，这是处理空间的基本方法，并且用三远作为基础，拿来灵活地处理其它特殊画幅形式的空间。例如，张择端的《清明上河图》就运用散点透视的方法，好像从高处望下来似的鸟瞰法，形形色色众多的人物、景物、船只、车马、店铺等都历历可见，这种方法也是中国画家灵活处理空间的一种天才创造。
六是色彩，重墨色轻颜色与重颜色轻墨色。中国画根据不同的描绘对象、时间、地点，施用不同的色彩。中国画喜欢用固有色，即物体本来的颜色，虽然也讲究一定的变化，但变化较小。
什么叫绘画的写生
写生是直接面对对象进行描绘的一种绘画方法，基本有风景写生、静物写生、人像写生等多种根据描绘对象不同的分类。一般写生不作为成品绘画，只是为作品搜集素材，但逐渐发展也有的画家直接用写生的方法创作，尤其是印象派的画家，经常利用风景写生，直接描绘瞬间即逝的光影变化，所以有时也被称为“外光派画家”。
中国画家一般主要依靠看和记忆，有的画家也“临渊摹笔”，但绝大部分古代画家虽然也强调写生“师法自然”，但只是饱览名山大川，回家以后凭记忆下笔。主要也是因为中国绘画工具不易携带和野外使用。现代的中国画家也重视写生，应用现代的速写工具搜集素材。
写生对描绘细节和光影变化非常重要，人不可能记住所有这些细节，经常写生对研究色彩学的规律也非常有启发。写生也是开始学习绘画时最重要的训练方法。
什么叫绘画的素描
素描通常意味着可于平面留下痕迹的方法，如蜡笔，炭笔，钢笔，铅笔，色粉笔，乌墨褐，墨水，及纸张，其它还包括在湿濡的陶土，沾了墨水的布条，金属，石器，容器或布的表面所造成的磨损。素描是一切绘画的基础，这是研究的过程中所必须经过的一个阶段。
轮廓和线条是素描的一般称谓。素描具备了自然律动感，观者从欣赏过程中可感受这一点。不同的笔触营造出不同的线条及横切关系，并包括节奏，主动与被动的周围环境，平面，体积，色调，及质感。
素描是一种正式的艺术创作，可以用单色线条或涂抹成面等方式来表现直观世界中的事物，可以表达思想、概念、态度、感情、幻想、象征甚至抽象形式。它不像绘画那样重视总体和色彩，而是着重结构和形式。
科学、严格的方法步骤不仅能够保证素描作业顺利进行，更可以培养我们的整体观察能力和描绘能力。
确立构图：推敲构图的安排，使画面上物体主次得当，构图均衡而又有变化，避免散、乱、空、塞等弊病。
画出大的形体结构：用长直线画出物体的形体结构，要求物体的形状、比例、结构关系准确。再画出各个明暗层次的形状位置。
逐步深入塑造：通过对形体明暗的描绘逐步深入塑造对象的体积感。对主要的、关键性的细节要精心刻划。
调整完成：深入刻划时难免忽视整体及局部间相互关系。这时要全面予以调整，做到有所取舍、突出主体。
什么是丹青技法
我国古代绘画常用朱红色、青色，故称画为“丹青”。《汉书·苏武传》：“竹帛所载，丹青所画。”杜甫《丹青引赠曹将军霸》：“丹青不知老将至，富贵于我如浮。”
民间称画工为丹青师傅。丹青也泛指绘画艺术，如《晋书·顾恺之传》：“尤善丹青。”按社会地位来分有：民间画工、宫廷画工。从工种来分有：壁画工、漆画工、瓷画工、年画工、灯扇画工、雕刻画工等。画工画是民族绘画传统的重要组成部分。
什么是帛画
中国画的一种。指古代绘在丝织品上的图画。传世帛画年代最早的有湖南长沙出土战国楚墓帛画三幅：一幅四周绘有奇异的动植物图像，中写文字，多不可识，称“缯书”；次幅绘一长袖细腰女子，侧身合掌而立，上有搏斗的凤、龙；第三幅绘一高冠长袖的男子，侧身驾驭一巨龙，龙身若舟。
建国后陆续发掘出土的西汉帛画有：1972年1月湖南长沙马王堆一号汉墓；1973年11月同一地区的三号汉墓；均为覆盖在内棺上的彩绘帛画，作“T”形，名为“非衣”。
画面基本分三部分：天上、人间、地下各种景象。1976年5月山东临沂金雀山九号汉墓出土的为长方形旌幡，内容和上二图相同，只是“人间”部分比重增大。三图均属西汉初期作品。当时厚葬之风很盛，这些帛画即为随葬品。
内容为古代神话传说；人物造型带有风俗画性质；写实和装钸工巧相结合，线描规整劲利，色彩绚烂谐调，显示当时有相当高的艺术水平，是我国绘画现实主义传统的发轫。后来的北魏司马金尤墓中漆画与东晋顾恺之的《女史箴图》卷，与之一脉相承。
什么是漆画
绘画的一种。是用油漆所绘成的一种工艺性的装饰图画。商代已有漆器工艺，战国时这种工艺趋于发达。湖南、湖北、河南等地，有漆器出土。长沙阳楚墓出土的漆器，花纹工细，有的漆奁，描绘舞乐、狩猎情景，富有生趣，湖北云梦城关西部睡虎地出土漆器多件，纹样精致，线条流利，状态生动，其中漆盂一只是现存唯一的秦代漆绘作品。
什么是水墨画
中国画的一种。指纯用水墨所作之画。基本要素有三：单纯性、象征性、自然性。相传始于唐代，成于五代，盛于宋元，明清及近代以来续有发展。
以笔法为主导，充分发挥墨法的功能。“墨即是色”，指墨的浓淡变化就是色的层次变化，“墨分五彩”，指色彩缤纷可以用多层次的水墨色度代替之。北宋沈括《图画歌》云：“江南董源传巨然，淡墨轻岚为一体。”就是说的水墨画。
唐宋人画山水多湿笔，出现“水晕墨章”之效，元人始用干笔，墨色更多变化，有“如兼五彩”的艺术效果。唐代王维对画体提出“水墨为上”，后人宗之。长期以来水墨画在中国绘画史上占着重要地位。
什么是院体画
简称院体、院画，中国画的一种。一般指宋代翰林图画院及其后宫廷画家比较工致一路的绘画。亦有专指南宋画院作品，或泛指非宫廷画家而效法南宋画院风格之作。
这类作品为迎合帝王宫廷需要，多以花鸟、山水，宫廷生活及宗教内容为题材，作画讲究法度，重视形神兼备，风格华丽细腻。因时代好尚和画家擅长有异，故画风不尽相同而各具特点。鲁迅说：“宋的院画，萎靡柔媚之处当舍，周密不苟之处是可取的。”
什么是文人画
亦称士夫画。中国画的一种。泛指中国封建社会中文人、士大夫所作之画。以别于民间画工和宫廷画院职业画家的绘画，北宋苏轼提出士夫画，明代董其昌称道“文人之画”，以唐代王维为其创始者，并目为南宗之祖。但旧时也往往借以抬高士大夫阶层的绘画艺术，鄙视民间画工及院体画家。
唐代张彦远在《历代名画记》曾说：“自古善画者，莫非衣冠贵胄，逸士高人，非闾阎之所能为也。”此说影响甚久。近代陈衡恪则认为“文人画有四个要素：人品、学问、才情和思想，具此四者，乃能完善。”
通常文人画多取材于山水、花鸟、梅兰竹菊和木石等，借以发抒“性灵”或个人抱负，间亦寓有对民族压迫或对腐朽政治的愤懑之情。他们标举“士气”“逸品”，崇尚品藻，讲求笔墨情趣，脱略形似，强调神韵，很重视文学、书法修养和画中意境的缔造。
姚茫父的《中国文人画之研究·序》曾有很高的品评：“唐王右丞援诗入画，然后趣由笔生，法随意转，言不必宫商而邱山皆韵，义不必比兴而草木成吟。”历代文人画对中国画的美学思想以及对水墨、写意画等技法的发展，都有相当大的影响。
什么是年画
中国画的一种。大都用于新年时张贴，装饰环境，含有祝福新年吉祥喜庆之意，故名。传统民间年画多用木板水印制作。
主要产地有天津杨柳青、苏州桃花坞和山东潍坊等，上海有“月份牌”年画，其它还有四川、福建、山西、河北以至浙江等地。旧年画因画幅大小和加工多少而有不同称谓。
整张大的叫“宫尖”，一纸三开的叫“三才”。加工多而细致的叫“画宫尖”“画三才”。颜色上用金粉描画的叫“金宫尖”“金三才”。六月以前的产品叫“青版”，七八月以后的产品叫“秋版”。年画画面线条单纯、色彩鲜明、气氛热烈愉快，如春牛图、岁朝图、嘉穗图、戏婴图、合家欢、看花灯，胖娃娃等，并有以神仙、历史故事、戏剧人物作题材的。
颇多作为门画张贴之用，夹杂着“神祗护宅”的观念，如“神荼郁垒”“天官”“秦琼敬德”等，体裁有门画，四屏条和横竖的单开独幅等。宋代已有关于年画的记载，目前见到最早的一幅木版年画是南宋刻印的《随朝窈窕呈倾国之芳容》。清代中期，尤见盛行。建国后，年画在传统的基绌上推陈出新，丰富多采，更为人民群众所喜爱。
什么是连环画
绘画的一种。指用多幅画面连续叙述一个故事或事件的发展过程。实际上应称连续画。兴起于20世纪初叶的上海。是根据文学作品故事，或取材于现实生活，编成简明的文字脚本，据此绘制多页生动的画幅而成。一般以线描为主，也有彩色等。
中园古代的故事壁画、故事画卷，五代南唐顾闳中《韩熙载夜宴图》南宋李唐《晋文公复国图》，明人《胡笳十八拍图》等）及小说戏曲中的“全相”等，即具有连环画的性质。现代风行的连环画，俗称小人书或小书，也有将电影，戏剧等故事用掇影形式编成连环画的。
什么是指头画
简称指画。中国画技法名。即特用指头、指甲和手掌蘸水墨或颜色在纸绢上作画，所成之画称“指头画”。清代方薰《山静居论画》：“指头画起于张？，？作画或用退笔，或以手摸绢素而成。”实则唐代张？专以秃笔作画，偶以手指涂抹绢素而已。
据可查考资料，指头画始于康熙间的高其佩，其侄孙高秉著有《指头画说》。高其佩亲承弟子有甘怀园、赵成穆、李世倬等，之后，工指头画有特殊成绩的画家有萨克达、俞？、觉罗西密．杨阿、瑛室等。乾隆、嘉庆以后，兼工指画者益见增多。现代潘天寿于指头画有很高成就，独具风格。
画分十门是什么意思
中国画名词。中国画的分科，唐代张彦远《历代名画记》分六门，即人物、屋宇、山水、鞍马、鬼神、花鸟等。
北宋《宣和画谱》分十门，即道释门、人物门、宫室门、番族门、龙鱼门、山水门、畜兽门、花鸟门、墨竹门、蔬菜门等。南宋邓椿《画继》分八类，即仙佛鬼神、人物传写、山水林石、花竹翎毛、畜兽虫鱼、屋木舟车、蔬果药草、小景杂画等。
十三科是什么意思
中国画术语。中国画的分科，唐代张彦远《历代名画记》分为六门；北宋《宣和画谱》分为十门；南宋邓椿《画继》分为八类。
元代汤篨《画鉴》说：“世俗立画家十三科，山水打头，界画打底。”明代陶宗仪《辍耕录》所载“画家十三科”是：“佛菩萨相、玉帝君王道相、金刚鬼神罗汉圣僧、风云龙虎、宿世人物、全境山林、花竹翎毛、野骡走兽、人间动用、界画楼台、一切傍生、耕种机织、雕青嵌绿。”
什么是人物画
绘画的一种。以人物形象为主体的绘画之通称。中国的人物画，简称“人物”，是中国画中的一大画科，出现较山水画、花鸟画等为早；大体分为道释画、仕女画、肖像画、风俗画、历史故事画等。
人物画力求人物个性刻画得逼真传神，气韵生动、形神兼备。其传神之法，常把对人物性格的表现，寓于环境、气氛、身段和动态的渲染之中。故中国画论上又称人物画为“传神”。
历代著名人物画有东晋顾恺之的《洛神赋图》卷，唐代韩的《文苑图》，五代南唐顾闳中的《韩熙载夜宴图》，北宋李公麟的《维摩诘像》，南宋李唐的《采薇图》、梁楷的《李白行吟图》，元代王绎的《杨竹西小像》，明代仇英的《列女图》卷、曾鲸的《侯峒？像》，清代任伯年的《高邕之像》，以及现代徐悲鸿的《泰戈尔像》等。在现代，更强调“师法化”，还吸取了西洋技法，在造型和布色上有所发展。
什么是道释画
人物画的一种。以道教、佛教为内容的绘画。魏晋、南北朝以来，宗教画极盛，名家辈出，所作以壁画为多。
佛教画如东晋顾恺之、戴逵在建业瓦官寺画《维摩诘像》；南朝宋陆探微、谢灵运画《菩萨像》，唐会昌五年灭佛后堆置于甘露寺，南朝梁张僧繇在上都定水寺画《二神》《三帝释》；隋代展子虔在洛阳天女寺等画《菩萨像》，杨契丹在长安宝刹寺画《佛涅？变》；唐代尉迟乙僧在长安慈恩寺画《千钵文殊》，吴道子在兴唐寺画《金刚变相》；五代杜敬安在成都大圣慈寺画《无量寿佛》等。
道教画如唐代张素卿画《天官像》；五代丘文播画《二十四化神仙》；北宋孙知微在成都寿宁院画《惠远送陆道士图》，武宗元在洛阳三圣宫画《太乙像》；还有元代《永乐宫壁画》等。寺院壁画或年久失修，或禁教破坏，所存无几。石窟壁画则保存尚，如敦煌壁画。也有卷轴画，如传为北宋李公麟的《维摩天女》、武宗元的《朝元仙仗图》，南宋梁楷的《高僧故实》，元初颜辉的《李仙像》等。
什么是风俗画
人物画的一种。是以社会生活风习力题材的人物画。始于汉代，如辽阳、望都等地墓室壁画和画像石、画像砖等。
唐代韩《田家风俗图》、五代李群《孟说举鼎》、北宋张择端《清明上河图》、南宋左建《农家迎妇图》、朱光普《村田乐事图》、苏汉臣《货郎图》等，均为一代名作。南宋时在临安流行一种“堂画”，亦称“风俗画”。清末吴友如《点石斋画报》中有很多作品，均属风俗画。年画中的《姑苏万年桥》《大庆丰年》《万家村》等图，也属之。建国后的风俗画，反映了新的题材、新的人物。
什么是肖像画
肖像画是人物画的一种。指描绘人物形象之画。可分头像、半身像、全身像、群像等。中国肖像画传统称谓有传神或写真。
写真是中国肖像画的传统名称。绘写人像要求形神肖似，故名。杜甫《丹青引赠曹将军霸》诗：“将军善画盖有神，偶逢佳士亦写真。”如清代丁皋著的肖像画法称《写真秘诀》。亦称传神、写照。
传神是中国肖像画的传统名称。南朝宋刘义庆《世说新语·巧艺》：“顾长康画人，或数年不点目睛。人问其故，顾曰：“四体妍蚩，本无关于妙处，传神写照，正在阿堵中。”图绘人物，当求其能表达出神情意态，故称传神。
清蒋骥著《传神秘要》，论述肖像画颇详。
什么是青绿山水
山水画的一种。用矿物质石青、石绿作为主色的山水画。有大青绿、小青绿之分。前者多钩廓，少皴笔，着色浓重，装饰性强；后者是在水墨淡彩的基础上薄罩青绿。清代张庚说：“画，绘事也，古来无不设色，且多青绿。”
元代汤篨说：“李思训著色山水，用金碧辉映，自为一家法。”南宋有两赵，以擅作青绿山水著称。中国的山水画，先有设色，后有水墨。设色画中先有重色，后来才有淡彩。
什么是浅绛山水
山水画的一种。在水墨钩勒皴染的基础上，敷设以赭石为主色的淡彩山水画。《芥子园画传》说：“黄公望皴，仿虞山石面，色善用赭石，浅浅施之，有时再以赭笔钩出大概。王蒙复以赭石和藤黄着山水，其山头喜蓬蓬松松画草，再以赭色钧出，时而竟不着色，只以赭石着山水中人面及松皮而已。”
这种设色特点，始于五代董源，盛于元代黄公望，亦称“吴装”山水。
中国画颜料中的金碧是什么
中国画颜料中的泥金、石青和石绿。凡用这三种颜料作为主色的山水画，称“金碧山水”，比“青绿山水”多泥金一色。泥金一般用于钩染山廓、石纹、坡脚、沙嘴、彩霞，以及宫室、楼阁等建筑物。
但明代唐志契《绘事微言》中另持一说：“盖金碧者：石青石绿也，即青绿山水之谓也。后人不察，加以泥金谓之金笔山水，夫以金碧之名而易以金笔之名可笑也！”
中国画颜料中的青绿是什么
中国画颜料中的石青和石绿。也指以这两种颜料为主色的着色方法。
清代王说：“凡设青绿，体要严重，气要轻清，得力全在渲晕，余于青绿法静悟三十年，始尽其妙。”恽寿平也说：“青绿重色，为厚易，为浅淡难，为浅澹矣，而愈见厚为尤难。运以虚和，出之妍雅，纤得中，灵气惝恍，愈浅淡愈见厚，所谓绚烂之极，仍归自然，画法之一变也。”阐述了青绿设色的要旨。
何为四君子岁寒三友五清
中国画术语。指以梅、兰、竹、菊四种花卉为题材的总称。花鸟画之分支。宋元若干画家好写竹、梅，加上松树，称“岁寒三友”。
元代吴镇在“三友”外加画兰花，名“四友图”。明神宗万历间，黄凤池辑《梅竹兰菊四谱》，陈继儒称“四君”，后即名四君子。
后人又加上松树合称“五清”或“五友”。清代王概编《芥子园画传》第三集，即为梅、兰、竹、菊四谱。
这类题材，能象征高洁的品格和正直、坚强、坚忍、乐观以及不畏强暴的精神，历代画家久画不衰。
什么叫作湿笔
与干笔对称。中国画技法名。指笔含较多水份。湿笔作画，兴于唐代张？。古诗云：“山路元无雨，空翠湿人衣。”杜甫亦有“元气淋漓章犹湿”之句。言水墨山水进入“水晕墨章”之妙境。
项容笔法枯硬而少温润，被讥为“顽涩”。五代荆浩自称：“笔尖寒树瘦，墨淡野云轻”。所谓轻，就是用水份充沛的湿笔。北宋郭熙说：“墨色不滋润，谓之枯，枯则无生意。”也主张画中须有湿笔。明代王行题画诗云：“北苑貌山水，见墨不见笔；继者唯巨然，笔从墨间出。”
清代张庚晚年始悟其意。他说：“湿笔难工，干笔易好。”论及董源藏骨于肉，巨然肉透于骨。后者以“骨易见笔，肉难征墨”。一时争趋干笔，反以湿笔为俗工而弃之。秦祖永所论最为突出：“作画最忌湿笔，锋芒全为墨华淹渍，便不能著力矣！去湿之法，莫如用干。”但现代黄宾虹说：“有干才有湿，有湿才知有干。”干湿互用，方能谓之“水晕墨章”。
什么是干笔枯笔焦笔
亦称渴笔。与湿笔对称，中国画技法名。指笔含较少水份。
干笔作画，兴于元代，行于明清，迄今不衰。清代秦祖永说：“作画最忌湿笔，锋芒全为墨华淹渍，便不能著力矣！去湿之法，莫如用干，取其易于著力，可以运用从心。大痴老人松字诀，唯能用干笔。”又云：“沈、唐《寅）干笔皴擦，钩勒松秀。”亦可称“干皴”“枯笔”“焦笔”“渴笔”，《谈艺录》指出：“李营丘惜墨如金，董宗伯常有言，作画不唯惜墨，亦当惜水，古人皆以渴笔取妍，今人乃以为云林一家法，不然也。”
什么是颤笔
中国画技法名。作画时画出一种抖曲颤动的墨线。元代夏文彦《图绘宝鉴》谓：“孙尚子善为颤笔，见于衣服、手足、木叶、川流诸处，皆若颤动。”
画水流、木叶、衣服用颤笔，线条须力求流畅自然、曲折有致，不可流于折若锯齿、曲如蚯蚓。北宋《宣和画谱》谓：“后主，即南唐李煜金错书用一笔三过之法，晚年变而为画，故颤掣乃如书法。”
什么叫作皴法
中国画技法名。用以表现山石和树皮的纹理。
山石的皴法主要有披麻皴、直擦皴、雨点皴、卷云皴、解索皴、牛毛皴、荷叶皴、铁线皴、长斧劈皴、小斧劈皴、大斧劈皴、带水斧劈皴、鬼脸皴、米芾拖泥带水皴、弹涡皴、括铁皴、折带皴、泥里拔钉皴、骷髅皴、破网皴、刺梨皴、马牙皴、马牙钩。表现树身表皮的皴法，有鳞皴、绳皴、交叉麻皮皴。点擦横皴、横皴。
上述皴法，乃历代画家根据山石的地质结构外形，树木的表皮状态，而创造的表现形式。后人列着自然界的变迁改造和绘画技法的演进，各种皴法将不断发展。
什么叫作三远六远
山水画技法名。北宋郭思纂集的《林泉高致》载其父郭熙之说：“山有三远：自山下而仰山颠，谓之。高远；自山前而窥山后，谓之深远；自近山而望远山，谓之平远。”
韩拙《山水纯全集》又增一说：“郭氏谓山有三远，愚又论三远者：有近岸广水，旷阔遥山者，谓之阔远；有烟雾溟漠，野水隔而仿佛不见者，谓之迷远；景物至绝，而微茫缥缈者，谓之幽远。”
后人合称为“六远”。元代黄公望《山水诀》参合两家之说，谓“山论三远，从下相连不断，谓之平远；从近隔间相对，谓之阔远；从山外远景，谓之高远。”
什么是山水林石
山水画术语。古人谓千岩万壑，片石疏林，皆山水也。传统习惯，前者指为山水；后者称作林石。
明代李日华说：“古人林木窠石，本与山水别行，大抵山水意境高深回环，备有一时气象，而林石则草草逸笔中，见偃仰亏蔽与聚散历落之致而已。李营丘特妙山水，而林石更造精微，倪迂源本营丘，故所作萧散闲逸，盖林木窠石之派也。”
什么是没骨技法
中国画技法名。不用墨笔为骨，直接用彩色描绘物象。相传为南朝梁张僧繇所创。
唐代杨升擅此画法，用青、绿、朱、赭、白粉等色，堆染出丘壑树石的山水画，称“没骨山水”。明代董其昌、蓝瑛等仿之。五代黄荃画花钩勒较细，着色后几乎隐去笔迹，遂有“没骨花枝”之称。北宋徐崇嗣效学黄荃，所绘花卉，摒去墨线钩勒，只用彩色画成、名“没骨图”；后人称这种画法为“没骨法。”清代唐于光、恽寿平等仿之。
什么叫作落墨
中国画技法名。始于南唐徐熙。即用墨笔把花卉的全部连钩带染地同时描绘出来，然后略加颜色，使枝、叶、蕊、萼，既有生态，又有立体感。
徐熙自称：“落墨之际未尝以傅色晕淡细碎为工。”当时徐铉亦云：“落墨为格，杂彩副之，迹与色不相映隐。”北宋沈括解说：“徐熙以墨笔为之，殊草草，略施丹粉而已。”李蝄云：“根、干、节、叶，皆用浓墨粗笔，其间栉比略以青绿点拂，而其梢萧然有拂云之气。”此乃唐末五代间水墨画确立后，由徐熙独创的以水墨为主，着色为辅，两相糅合的新形式。
什么叫作破墨
中国画技法名。始见南朝梁萧绎《山水松石格》：“或离合于破墨。”唐代张彦远《历代名画记》谓曾见王维、张？的破墨山水。
现代画家黄宾虹说：“破墨之法，淡以浓破，湿以干破。皴染之法，虽有不同，因时制宜可耳。”又说：“齐白石作花卉草虫，深得破墨之法，其多以浓墨破淡墨，少见以淡墨破浓墨。”潘天寿认为用墨：“在干后重复者，谓之积，在湿时重复者，谓之破。”作面用破墨法，目的在于使墨色浓淡相互渗透掩映，达到滋润鲜活的效果。
什么叫作泼墨
中国画技法名，相传唐代王洽，以墨泼纸素，脚蹴手抹，随其形状为石、为云、为水，应手随意，图出云霞，染成风雨，宛若伸巧，俯观不见其墨污之迹。
唐代张彦远认为：泼不能过甚，有“吹云泼墨”之说，明代李日华《竹懒画媵》：“泼墨者用墨微妙，不见笔迹，如泼出耳。”清代沈宗骞《芥舟学画编》：“墨曰泼墨，山色曰泼翠，草色曰泼绿，泼之为用，最足发画中气韵。”后世指笔酣墨饱，或点或刷，水墨淋漓，气势磅礴，皆谓之泼墨。现代亦有以彩色为主的纵笔豪放的画法称为泼彩。
什么叫作积墨
中国画技法名。指山水画用墨由淡而浓、逐渐渍染的方法。
北宋郭熙《林泉高致》：“用淡墨六七加而成深，即墨色滋润而不枯。”元代黄公望《写山水诀》：“作画用墨最难，但先用淡墨积至可观处，然后用焦墨、浓墨分出畦径远近，故在生纸上有许多滋润处。”
清代恽格《南田画跋》：“昔北苑尝写风溪谷雨，峰峦晦明，树石林泉，烟霏云绕。又画落照图，近视若无物，远视村落杳然深远，悉是晚景，远峰之顶，宛有返照之色。巨然宗之，每积墨数十层，空淡若无墨，峰峦云雾，无迹可寻。”
什么叫作宿墨
中国画技法名。初见于北宋郭熙《林泉高致》，有“用墨七法”之说。宿墨是七法之一。指砚中隔宿之墨，当宿墨开始脱胶之际，既粘而又浓黑，含水旁渖，笔痕犹存，自有一种烟雨薩鄈之气。
山水画家用之以醒画面精神。现代黄宾虹也将用墨归纳为：“浓、淡、破、渍、泼、焦、宿”，晚年善用宿墨，在浓黑处，再积染一层墨，或点上极浓的宿墨，亦称亮墨。
什么叫作点簇
中国画技法名。用笔作点画而簇聚成物象的画法。
唐代朱景玄《唐朝名画录》：“韦偃居闲尝以越笔点簇鞍马，其小者或头一点，或尾一抹。”后多指不用钩勒的点笔花卉画法，又称点垛。在江南地区，对随意挥洒作画，俗称“点点簇簇”。
点簇亦称点垛。即不用钩勒，而以笔端蘸墨或颜色，笔亳落纸突糊铺开，一笔之中就分浓淡；或先蘸甲色，再蘸乙色，下笔点垛就出现具有甲色、乙色或甲乙混合色。主要用以表现花卉的叶和花瓣。有时也用于大写意的人物和山水画。“点垛”，乃江南一带口语，似从“点掷”一词变异而来。也有把点垛写成“点”。
什么叫作点苔
中国画技法名。用毛笔作出直、横、圆、尖或破笔或如“介”“个”等字的点子，表现山石、地坡、枝干上和树根旁的苔藓杂草，以及峰峦上的远树等，在山水画构图经营中广为应用。
历代画家重视点苔，明代唐志契《绘事微言》说：“画不点苔，山无生气。昔人谓：‘苔痕为美人簪花’，又谓：‘画山容易点苔难’。”清代方薰《山静居画论》曰：“古画有全不点苔者，有以苔为皴者，疏点密点。尖点圆点、横点竖点、及介叶水藻点之类，各有相当，斟酌用之，未可率意也。”
原济则提出：“点有雨雪风晴，四时得宜点，有反正阴阳衬贴点。有夹水夹墨一气混杂点，有含苞藻丝璎珞连牵点，有空空洞洞干燥没味点，有有墨无墨飞白如烟点，有焦似漆邋遢透明点，更有两点，未肯向学人道破，有没天没地当头劈面点，有千岩万壑明净无一点，噫！法无定相，气概成章耳。”现代潘天寿补充：“点上积点之法”说：“醒目点；糊涂点；错杂纷乱点。此三种点法，工于积墨者，自能知之。”
何为中国绘画的渲染
中国画技法名。用水墨或颜色烘染物象，分出阴阳向背，增添质感和立体感，加强艺术效果。亦可作“设色”解。清代恽寿平谓：“俗人论画，皆以设色为易，岂知渲染极难，画至著色，如入炉钩，重加锻炼，火候稍差，前功尽弃。”
何为中国绘画的烘托
中国画技法名。用水墨或淡彩在物象的外廓渲染衬托，使其明显突出。如烘云托月，以及画雪景、雨景、雾景、晨昏、流水、白色的花鸟和白描人物等，一般采用外罩、围染的烘托方法。
什么叫作拓墨法
古称墨池法。中国画技法名。始见于唐代段成式《酉阳杂俎》：“范阳山人于厅上掘地为池，方丈余，深尺余，泥以麻灰，日汲水满之，候水不耗，其丹青墨砚，先后笔叩齿良久，乃纵笔水上就视，但见水色浑浑耳。经二日？以绢四幅，食顷，举出观之，古松怪石、人物花木无不备也。”
20世纪50年代间，出现试用中国画水墨传统结合西方绘画的光色变化，以纸拓、布拓、水拓等技术，翻印出各种不同的线条或色块，视其形迹，循其自然，加以笔饰和彩墨渲染，使之呈现毛笔难能达到的某种艺术效果。尚有采用特制的纸筋粗棉纸，先上水墨。然后剔除纸上的粗纸筋，留下未渗的白痕，形成自然而奇妙的山石皴蒟。此法过多侧重技术手段，有人认为有损中国画的传统笔墨，故画坛行家，褒贬不一。
什么叫作水法
中国画技法名。用水与用笔、用墨一样具有独特作用。有水调墨、水带墨、水破墨、渍水、泼水、铺水等法。使绘画表现达到“润含春雨”、和谐画面、虚实结合等艺术效果。古人作画在用笔、用墨、用色的同时就注意用水。
北宋韩拙在《山水纯全集》中提到：水破墨、是先画墨。而后破之以水。即水法之一种。米芾父子、徐渭、董其昌、原济、朱耷等，都善于用水。现代黄宾虹深谙水法，一是用以留水渍，二是用以接气生韵，三是用以统一画面。
水法中的铺水，即在作画在全局笔墨将完成，大体已干之际，再在画面的需要处敷铺上一层清水，目的在于使整幅的笔墨趋向统一、和谐。
水法中的渍水，即在笔端含水，落笔纸上，全笔头稍作逗留，就留下水渍痕，有漶漫、渗透、用笔多变的韵味。为水法中的重要技法。
什么是绘宗十二忌
中国画术语。谓山水画的十二忌病。元代饶自然在《山水家法》提出此说：一布置迫塞；二远近不分；三山无气脉；四水无源流；五境无夷险；六路无出入；七石止一面；八树少四枝；九人物伛偻；十楼阁错杂；十一蟬淡失宜；十二点染无法。
山水画中布置楼阁，错杂曲折，反可顾盼生姿，饶氏以为忌者，乃指以界画楼阁为主的画材而言。
何为八格
中国画术语。北宋韩拙《山水纯全集》提出：“凡画有八格：石老而润，水净而明，山要垂巍，泉宜洒落，云烟出没，野径迂回，松偃龙蛇，竹藏风雨也。”
何为七候
中国画术语。清代戴熙《习苦斋画絮》提出：作画必须得七候：一精楮；二笔与手称；三色墨净；四新游山水，或新见名迹；五索画者工赏鉴；六意兴；七工夫当不生不熟之际。
何为六气
中国画术语。清代邹一桂《小山画谱》提出：“画忌六气一曰俗气，如村女涂脂；二曰匠气，工而无韵；三曰火气，有笔仗而锋芒太露；四曰草气，粗率过甚，绝少文雅；五曰闺阁气，描条软弱，全无骨力，六曰蹴黑气，无知妄作，恶不可耐。”
何为六长
中国画术语。对绘画技法所举的六种长处。有两说：
北宋刘道醇《圣朝名画评》提出识画之诀，在乎明六要而审六长：“所谓六长者：粗卤求笔一也，僻涩求才二也，细巧求力三也，狂怪求理四也，无墨求染五也，平画求长六也。”
清代王昱《东庄论画》：“画有六长：气骨古雅、神韵秀逸、使笔无痕、用墨精彩、布局变化、设色高华是也，六者一有未备，终不得为高手。”
何为六要
中国画术语。对绘画创作提出的六个要求。有两说：
五代梁荆浩《笔法记》：“夫画有六要：一曰气，二曰韵，三曰思，四曰景，五曰笔，六曰墨。”“气者，心随笔运，取象不惑；韵者，隐迹立形，备仪不俗；思者，删拨大要，凝想形物；景者，制度时因，搜妙创真；笔者，虽依法则，运转变通，不质不形，如飞如动；墨者，高低晕淡，品物浅深，文彩自然，似非因笔。”
北宋刘道醇《圣朝名画评》提出识画之诀，在乎明六要而审六长：“所谓六要者，气韵兼力一也，格制俱老二也，变异合理三也，彩绘有泽四也，去来自然五也，师学舍短六也。”
何为六法
中国画术语。品评人物画的六项标准，南朝齐谢赫《古画品录》所举“六法”为：气韵生动、骨法用笔、应物象形、随类赋彩、经营位置、传移模写。
唐张彦远《历代名画记》将“气韵生动”“骨法用笔”列为首要之法。清代邹一桂《小山画谱》则认为“以六法言，当以经营为第一，用笔次之，赋彩又次之，传模应不在内，而气韵则画成后得之，一举笔即谋气韵，从何着手？以气韵为第一乃赏鉴家言，非作家法也。”其后论者益众，并逐渐应用到山水、花鸟等画科，且已习惯地成为“中国画”的代名词。
现代画家钱钟书重新作了标点：“六法者何？一气韵，生动是也；二骨法，用笔是也；三应物，象形是也；四随类，赋彩是也；五经营，位置是也；六传移，模写是也”。
何为四难
中国画术语，清代盛大士《溪山卧游录》谓：“画有四难：笔少画多，一准也；境显意深，二难也；险不入怪，平不类弱，三难也；经营惨淡，结构自然，四难也。”
何为三到
中国画术语。清代盛大士《溪山卧游录》谓：“画有三到：理也，气也，趣也。非是三者，不能入精妙神逸之品，故必于平中求奇，纯绵裹铁，虚实相生。”
何为三病
中国画术语，指用笔的三种疵病。北宋郭若虚《图画见闻志》卷一《论用笔得失》，“画有三病，皆系用笔，所谓三者：一曰版，二曰刻，三曰结。版者腕弱笔痴，全亏取与，状物平褊，不能圆浑也；刻者运笔中疑，心手相戾，钩画之际，妄生圭角也：结者欲行不行，当散不散，似物凝碍，不能流畅也。”
何为三品
中国画术语。指品评书画艺术的三个等级，即神品、妙品。能品。唐代张怀馞《书断》评历代书法家，立神、妙、能三品，源于南朝梁庾肩吾《书品》的上、中、下三等。
什么叫作立意
中国画术语。指画家对客观事物反复观察而获得丰富的主题思想。唐代王维说：“凡画山水，意在笔先。”张彦远也说：“意在笔先，画尽意在。”“骨气形似，皆本于立意。”立意有高低深浅之分。清代王原祁说：“如命意不高，眼光不到，虽渲染周致，终属隔膜。”
什么叫作起结
中国画术语。指绘画构图时起手要宽以起势，紧以归结，有全局观点，不局限于一角，务得通盘贯气的局势。清代王昱《东庄论画》说：“凡画之起结，最为紧要。
一起如奔马绝尘，须勒得住，而又有住而不住之势。一结如万流归海，收得尽，而又有尽而不尽之意。”张风论画：“善棋者落落布子，声东击西，渐渐收拾，遂使段段皆赢，此弈家之善用松也。画也莫妙于用松，布置，渐次逐层点染，遂能潇洒深秀。”
胸有成竹是什么意思
中国画术语。北宋文同主张画竹必先“胸有成竹”。苏轼在《文与可画谷偃竹记》中说：“画竹，必先得成竹于胸中”，自称系“与可之教予如此。”又在《书晁补之所藏与可竹三首》诗中，赞曰：“与可画竹时，见竹不见人。岂独不见人，嗒然遗其身。其身与竹化，无穷出清新。
“晁补之在《赠文潜甥杨克一学文与可画竹求诗》中，也有“与可画竹时，胸中有成竹”之句。
所谓“胸有成竹”，乃言画家创稿之前，对形象塑造、构图布局已有成熟的构思，故能“一发而得其妙解”。
迁想妙得是什么意思
中国画术语。东晋顾恺之《魏晋胜流画赞》：“凡画，人最难，次山水，次狗马，台榭一定器耳，难成而易好，不待迁想妙得也。”
此与西晋陆机《文赋》中所谓“浮藻联翩”含意相若。但“迁想”比之“联想”更广泛，更有目的性，画家的“想象力”出于“迁想”，也是画家“神思”的基础。故历来论中国画学的“气韵生动”，赖“迁想妙得”有以致之。
惜墨如金是什么意思
中国画术语。意即用墨要恰如其分，不可任意挥霍，尽可能做到用墨不多而表现丰富。相传北宋山水画家李成“惜墨如金”，所画寒林，以渴笔画枯枝，树身只以淡墨拖抹，但在画面上，仍然获得“山林薮泽、平远险易”的效果。
清代吴历曾说：“泼墨、惜墨，画家用墨之微妙，泼者气磅礴，惜者骨疏秀。”钱杜说：“云林惜墨如金，盖用笔轻而松，燥锋多，润笔少，以皴擦胜渲染耳。夫渲染可以救枯瘠，生云烟，迂翁又何尝顷刻离是法哉！特不肯用湿笔重墨耳。”都阐述了惜墨如金的含义和作用。
意到笔不到是什么意思
中国画术语。指画贵含蓄，笔虽未到，却能在意境中得之。唐代张彦远论吴道子画：“意在笔先，画尽意在，虽笔不周而意周也。”北宋苏轼跋赵云子画：”笔略到而意已俱。”清代恽寿平说：“今人用心在有笔墨处，古人用心在无笔墨处，倘能于笔墨不到处观古人用心，庶几拟议神明，进乎技已。”
意与笔的关系即虚与实的关系，用笔实处见虚，虚处见实，乃臻“通体皆灵”之妙。
什么是形似和神似
形似和神似相对称。形似指艺术作品的外在特征。战国荀况有“形具而神生”之说。南朝齐范缜亦有“形存则神存，形谢则神灭”之说。形似与神似是统一的。南朝宋宗炳虽主“万趣融其神思”，仍然坚持以形写形、以色貌色。东晋顾恺之说得更明确，即所谓“以形写神”。清代邹一桂说：“未有形不似反得其神者。”
故形似为绘画的始基。但于形似中求神采，仍为艺术造形之终极。
神似指主客观相统一，由事物的表象到意象的深化。即“神者形之用，形者神之质”。北宋苏拭有“论画以形似，见与儿童邻”之说。其气韵即神似。晁以道、杨慎、李贽等，皆有阐述，“画不徒写形，正要形神在”。故形神兼备是绘画艺术的定论。
不似之似是什么意思
中国画术语。指画家笔下的艺术形象，不只是照搬客观物象，而有所概括、取舍、调节，以求收到比生活更高的艺术效果。初见于明代沈颢《画麈》：“似而不似，不似而似。”清代石涛题诗亦有：“名山许游未许画，画必似之山必怪，变幻神奇懵懂间，不似似之当下拜。”齐白石说“不似之似”，即石涛说的“不似似之”。黄宾虹说：“绝似物象者与绝不似物象者，皆欺世盗名之画，唯绝似又绝不似于物象者，此乃真画”傅抱石曾列作画程序：不似———似———不似。
什么叫作临摹
中国书画术语。学习书画的一种手段和过程。南朝齐谢赫《古画品录》序言提出“六法”，第六条为“传移模写”，唐代张彦远说：“古时好？画，十得七八，不失神彩笔踪。”北宋黄伯思《东观余论》认为：临与摹有严格区别，“两者迥殊，不可乱也”。
说临摹是对着他人之作，观其形势而照着写或画。故置字帖于旁，仿其笔画，称之为“临帖”；若置古画于旁，仿其用笔用色称之为“临画”。摹是以薄纸覆在他人作品上，随其细大而？之。
后人对临摹用语，大都含这两种意思，不强调“临”与“摹”的区别。明末唐志契说：“临摹最易，神气难得，师其意而不师其迹，乃真临摹也。”清代笪重光说：“画工有其形而气韵不生，士夫得其意，而位置不稳。”故师古人之意而未必拘其迹，斯称善临摹者。
书画同源怎样理解
中国书画术语。意为中国绘画和中国书法关系密切，两者的产生和发展，相辅相成。
在画史上，以先秦诸子的所谓：“何图洛书”为书画同源的依据，唐代张彦远《历代名画记·叙画之源流》中说，“颉有四目，仰观垂象。因俪鸟龟之迹，遂定书字之形，造化不能藏其秘，故天雨粟；灵怪不能遁其形，故鬼夜哭。是时也，书画同体而未分，象制肇始而犹略。无以传其意，故有书；无以见其形，故有画。”
此为最早的书画同源说。《殷契》古文，其体制间架，既是书法，又是图画，近人郑午昌说“是可谓书画混合时代”。
什么是款识和题跋
款识是古代钟鼎彝器上铸刻的文字。《汉书·郊祀志下》：“今此鼎细小，又有款识，不宜荐见于宗庙。”颜师古注：“款，刻也；识，记也。”此外还有三说；－款是阴字凹入者，识是阳字突起者。二款在外，识在内。三花纹为款，篆刻为识。均见《通雅》卷三十三所引。
后世在书、画上标题姓名，也称款识、题款或款题。画上款识，唐人只小字藏树根石罅，书不工者多落纸背，至宋代，始记年月，也仅细楷，书不两行。唯苏轼有人行楷，或跋语三五行。元人从款识姓名年月发展到诗文题跋，有百余字者。至明清题跋之风大盛，至今不衰。
题跋指的是，写在书籍、字画、碑帖等前面的文字叫题，后面的文字叫跋。清代段玉裁《说文解字注·足部》谓：“题者，标其前，跋者，系其后也。”一般乃指书、画、书籍上的题识之辞，内容为标题、品评、考订、记事之类，体裁有散文、诗、词等。
元代以来，在画上题书诗文已成为中国画作品上增添诗情画意的一种艺术手段。
什么是绘画的装潢
装潢即装裱。古代书画用潢纸装袜，故名。《唐六典》：“崇文馆有装潢匠五人，秘书省有装潢匠十人。”也有将“潢”作水池解，因为书画边缘镶饰绫锦，其本身如被圈围的水池，故名。《通雅·器用》：“潢，犹池也，外加缘则内为池，装成卷册，谓之装潢，即表背也。”
什么是立轴中堂大轴
中国书画装裱的一种式样。中称“画心”，上称“天头”，下称“地脚”上下又有“隔水”。装裱尺寸有大有小，四尺以上的画幅，称“大轴”，俗称“中堂”，特大者称“大堂”或“大中堂”、三尺以下的画幅称立轴。
有三色、两色、一色三种绫裱。也有绢裱的。上装天杆，下装轴。有的天头贴“惊燕带”，此种格式盛行于北宋宣和时，后从之。初惊燕带不贴实，能飘动，后贴实，纯为装钸。“画心”上下端可加镶锦条，称“锦眉”，亦称“锦牙”。
什么是屏条
中国书画装裱的一种式样，由于画身狭长，为四尺或五尺宣纸对开，故能装裱成屏条形式。屏条单独挂的称“条屏”，四幅并排悬挂的称“堂屏”或“四季屏”。亦有四幅以上多至12幅甚至16幅，紧挂相连，成双数的完整画面，称“通景屏”或“通屏”。又称“海幔”。
什么是横披
中国书画装裱的一种式样。画心竖短横长，左右边称“耳”，尺寸相同，并装对称的木杆一副，腹背有包首，贴有签条。
什么是对幅
中国书画装裱的一种式样。通常两幅成对悬挂。如书法对幅，称“字对”，或称、“对联”。明清绘画，有所谓“画对”，两幅大小相等的屏条，悬挂方式与“字对”同。亦有三联幅，对幅中间加立轴，如南宋法常有《猿、观音、鹤》三联幅。通常厅堂正中，中间挂大幅中堂画，两边分挂字对。相传明代收藏家项子京家，“中堂为书法，两边挂画对”，乃属特殊格式。又木版年画门神、两门各贴一幅，亦称对幅。
什么是黄荃画派
中国画流派之一。为五代花鸟画派的一支，代表画家黄筌。黄居西蜀画院统治地位，入宋后，画风延续将近一百年，当时花鸟画无不以“黄家体制为准”。
北宋郭若虚在《图画见闻志》中“论黄、徐体异”时说，“黄家富贵，徐熙野逸。”并指出黄派之画多写禁中珍禽瑞鸟，奇花怪石，用笔工整，设色堂皇。此派画法，以细挺的墨线钩出轮廓，然后填彩，即所谓“钩填法”。后人评为“钩勒填彩，旨趣浓艳”。
什么是徐熙画派
中国画流派之一。为五代花鸟画派的一支，代表画家徐熙。北宋郭若虚在《图画见闻志》中“论黄、徐体异”时说：“黄家富贵，徐熙野逸。”又说：“徐熙江南处士”“多状江湖所有，汀花野竹，水鸟渊鱼。”此派多作粗笔浓墨，略施杂彩，而笔迹不隐，素有“落墨花”之称。
什么是北方山水画派
国画流派之一。中国山水画至北宋初，始分北方派系和江南派系，郭若虚《图画见闻志》说：“唯营丘李成、长安关仝、华原范宽，智妙入神，才高出类，三家鼎峙，百代标程。”又说：”夫气象萧，烟林清旷，毫锋颖脱，墨法精微者，营丘之制也；石体坚凝，杂木丰茂，台阁古雅，人物幽闲者，关氏之风也；峰峦浑厚，势状雄强，抢笔俱均，人屋皆质者，范氏之作也。”李、关、范的画风，风靡齐鲁，影响关陕，实力北方山水画派之宗师。
什么是南方山水画派
亦称“江南山水画派”。中国画流派之一。北宋沈括《梦溪笔谈》说：“董源，工秋岚远景，多写江南真山，不为奇峭之气；建业僧巨然祖述董法，皆臻妙理。”米芾《画史》也说：“董源平淡天真多，唐无此品。”
此派以董源和巨然为一代宗师，世称“董巨”。惠崇和赵令穰的小景，为此派支流。米芾父子的“米派云山”，画京口一带景色，显出此派新貌。南宋末法常和若芬等，皆属南画体系，至元代而大盛。
什么是米派
中国画流派之一。指宋代米芾、米友仁父子所绘之画。画史上称大米、小米，或名二米。米芾尝与李公麟论古今山水，少有出尘格者，因信笔作之。自称“无一笔李成、关仝俗气”。
中国的传统山水画，用笔多以线条为主，米芾则以卧笔横点成块面，称“落茄法”，打破了线条成规。其特点，能表达烟雨云雾、迷茫奇幻的景趣，世称“米氏云山”。
友仁继承和发展家传，善画无根树、朦胧云，每喜自题“元晖戏笔”。因父子均居襄阳和镇江，对潇、湘两水和金、焦两山自然景色特别陶醉，故能画出水汽蒸郁、烟雾弥漫的妙趣。此派为大写意风格，南宋牧溪、元代高克恭、方从义等皆师之，对后世影响甚大。
什么是湖州竹派
中国画流派之一。画竹原以唐代萧悦、五代丁谦最有名，但无画迹传世。北宋文同、苏轼以画竹著于时。
1078年文同奉命为湖州太守，未到任，病故陈州；苏拭接任湖州太守，未几坐狱贬黄州。他们虽籍隶四川，但画史上皆谓为“湖州竹派”始祖。米芾论及：文、苏画竹特点：“以浓墨为面，淡墨为背。”元代画竹成风，李絗、赵孟瞓、高克恭、吴镇、柯九思等，都是湖州竹派继承者，对后世影响很大。明代莲儒撰《湖州竹派》一卷，系辑录《画史》《画继》《图绘宝鉴》等书而成。
什么是常州画派
亦称毗陵画派、武进画派。中国画流派之一，毗陵、武进皆为江苏常州的古地名。始于北宋居宁，南宋于青言，元代于务道，明代孙龙，清代唐于光、恽寿平等，皆属之。祖述徐崇嗣、赵昌的没骨法，以草虫、花卉写生为胜。居宁画迹不复可见，据梅尧臣诗：“宁公实神授，坐使群辈伏。”居宁草虫似属禅林墨戏一路。孙龙受其影响。
于氏祖孙画迹亦失传，日本知恩院藏有南宋于子明《莲花图》对幅，钤有“毗陵于子”印，或即于青言之作。恽寿平与唐于光实源出于氏。恽寿平尝言：“余与唐匹士研思写生，每论黄筌过于工丽，赵昌未脱刻画，徐熙无径辙可得，殆难取则。”恽、唐花卉写生，多空灵之感，是徐崇嗣没骨法的继承者，世称“恽派”，对后世影响甚大。
什么是浙江画派
中国画流派之一。明代画家戴进，钱塘人，山水、人物取法南宋画院体格，从学者甚多，著名的有吴伟、张路、夏芷等。曾和戴进同为待诏的李在，风格亦有相近处。遂有浙派之称。稍后，蒋嵩出，专弄焦墨枯笔，点染粗糙。其后蓝瑛的画风虽与戴进不同，但通常被列作“浙派”殿军。吴伟、张路等又称江夏画派，属浙派支流。
什么是新安画派
中国画流派之一。以明末清初渐江为先路，与查士标、孙逸、汪之瑞合称“新安派四大家”。渐江为歙县人，查士标、孙逸、汪之瑞为休宁人，两县皆属徽州府治，晋唐时属新安郡治，故名。亦称“海阳四家”，海阳本名休阳，三国吴置，避讳改海阳。
四家的特点宗法倪瓒、黄公望，多写生黄山云海松石之景，着墨无多，用笔坚洁简淡。属于此派者尚有程邃、戴本孝、郑窼，风格沈郁苍古，现代黄宾虹师之。师渐江者有江注、吴定、姚宋、祝昌，被称为渐江的“四大弟子”。
什么是黄山画派
中国画流派之一。以清初宣城梅氏一家为嫡系，梅清、梅罛、梅庚、梅蔚等，与流寓宣城的石涛，都是长期深入黄山，既师造化又师古人的画家。新安画派主要亦师黄山，故有人主张归入黄山画派，但风格不同，正如渐江与程邃各有特色。
什么是虞山画派
中国画流派之一。清代山水画家王，先后师王鉴、王时敏，并取法宋元诸家，画名盛于圣祖康熙间，主要学生有杨晋、顾窻、李世倬、上睿、胡节。金学坚等，为江苏常熟人，常熟有虞山，因有虞山画派之称。其崇古摹拟风尚，影响颇大。
什么是娄东画派
中国画流派之一。清代山水画家王原祁，继其祖父王时敏家法，并仿黄公望法，名重于圣祖康熙间，一时师承者甚多，以族弟王昱、侄王愫，弟子黄鼎、王敬铭、金永熙、李为宪、曹培源、华鲲、温仪、唐岱等为著；其后有曾孙王宸、族侄王三锡，以及盛大士、黄均、王学浩等。娄江东流经过太仓，故称“娄东派”此派崇古保守的画风，与“虞山画派”相依托，对后世影响颇大。
什么是江西画派
中国画流派之一。以清初画家罗牧为代表。罗牧系宁都人，居南昌，画山水初得魏石床传授，后学黄公望，笔意空灵，在江淮地区颇有学之者。
什么是海上画派
中国画流派之一。鸦片战争后上海辟为商埠，各地画人流寓上海日众，成为绘画活动的中心，有海派之称。
其特点：在传统基础上能破格创新，流派自由，个性鲜明；重品学修养；和民间艺术有联系，能达到雅俗共赏；善于借鉴吸收外来艺术；画会兴起，切磋成风。
代表画家有赵之谦、虚谷、任颐、吴昌硕、黄宾虹。尚有任熊、蒲华、胡公寿、张熊、吴友如、程璋、吴庆云、任薰、钱慧安、沙馥、黄山寿倪墨耕、赵子云、王一亭、冯超然、郑午昌等。《海上墨林》所记多达七百余人。
什么是岭南画派
中国画流派之一。广东地处五岭之南，明清以来，画家不下千人。著名的明代有林良，擅长水墨写意花鸟画，笔墨简括劲挺，豪纵爽辣，开岭南一带画风。宗其法者有高俨、陈瑞；黎简、李魁继起，着重描绘广东山川的特色，前者苍润似吴镇，淡远近倪瓒，后者乃一画工，而技艺精能。清乾隆间有苏六朋、苏长春，善人物，苏六朋以人民生活和市井风俗作题材，苏长春虽常绘神仙佛像，却以南方的凡人作模型。清末有居巢、居廉，善花鸟虫鱼，学恽寿平。
现代的番禺高剑父、高奇峰、陈树人早年均师事居廉。高氏兄弟和陈树人后曾留学日本，进修画艺，引进西画技法，作品题材多写中国南方风物，在运用中国画传统技法基础上，融合日本南画和西洋画法，注重写生，创立了色彩鲜艳明亮，水份淋漓饱满，晕染柔和匀净的现代岭南画派的新风格。
六朝四家指的是谁
六朝指三国的东吴、东晋、南朝的宋、齐、梁、陈，皆以建康为首都。四家，画史上指东吴曹不兴、东晋顾恺之、南朝宋陆探微、南朝梁张僧繇。唐代张怀馞评六朝画谓：“张得其肉，陆得其骨，顾得其神。”六朝画罕见，尤以曹不兴之迹无存。元代汤厚认为曹不兴《兵符图》一卷，“笔意神采，疑是唐末宋初人所为”。
南宋四家指的是谁
南宋院体山水画家李唐、刘松年、马远、夏圭四人的合称。属豪纵简略一路画风。初无此称，元代汤厚谓：“南宋画院诸人得名者，若李唐、周曾、马远、夏圭、李迪、李安忠、楼观、梁楷之徒，仆于李唐差加赏识，其余亦不能尽别也。”
倡此说者为明代唐寅题刘松年《春山仙隐图》，有所谓“李、刘、马、夏”之称。其后屠隆说：“李唐、刘松年、马远、夏圭，此南渡以后四大家也。”张丑认为：“南宋刘松年为冠，李唐、马远、夏圭次之。”张泰阶则曰：“刘、李、马、夏，俱负重名，而李、马为最。”
元四家指的是谁
元代山水画的四位代表画家的合称。主要有两说：一是指赵孟瞓、吴镇、黄公望、王蒙四人，见明代王世贞《艺苑卮言·附录》。二是指黄公望、王蒙、倪瓒、吴镇四人，见明代董其昌《容台别集·画旨》。第二说流行较广。
元六家指的是谁
元代赵孟瞓、高克恭、黄公望、吴镇、倪瓒、王蒙的合称。
明四家指的是谁
明代中叶沈周、文徵明、唐寅、仇英四人的合称。他们之间有师友关系，画艺各具风格特点，对后世颇有影响。沈、文画风较近。后来发展形成了吴门派。明代卓然成家，前期有戴进，中期有林良、吴伟、吕纪，后期有陈洪绶等，沈、文、唐、仇并不能代表整个明代绘事。
金陵八家指的是谁
明末清初龚贤、樊圻、高岑、邹哲、吴宏、叶欣、胡訸、谢荪八人的合称。他们的绘画题材和风格不尽相同，因聚居金陵，皆有一定时誉，故称。见清代张庚《国朝画征录》。另指陈卓、吴宏、樊圻、邹哲、蔡霖沦、李又李、武丹、高岑为“金陵八家”，见乾隆《上元县志》。
清六家指的是谁
清初山水画家王时敏、王鉴、王踂、王原祁、吴历、恽寿平六人的合称。亦称“四王、吴、恽”。他们继明代董其昌之后享有盛名，领导画坛，左右时风，当时被目为“正统”。
四王指的是谁
“清六家”中王时敏、王鉴、王。王原祁四人的合称。他们之间有师友或亲属关系，在绘画风尚和艺术思想上，直接或间接受董其昌影响。技法功力较深，画风崇尚摹古，不少作品趁于程式化。王踂、王原祁一度出入宫禁，？赫南北。
前者，综合宋元各家各派，缔造一套体例完备的画格；后者把元代黄公望一系，糅合实质，融化精神，亦一成就。四王对清代和近代山水画有深远影响。康熙至乾隆间有王昱、王愫、王玖、王宸；其后又有王三锡、王廷元、王廷周、王鸣韶，画山水俱师法四王，“只是遵循前规，并无创新突破。前者称小四王，后者称后四王。
清初四高僧指的是谁
即弘仁、髡残、八大山人、石涛。皆明末遗民，八大山人和石涛，系明宗室，后出家为僧。均深通禅学，寄情书画，各有独特造诣。
扬州八怪指的是谁
清乾隆间寓居江苏扬州的八位代表画家的总称。一般指汪士慎、黄慎，金农、高翔、李、郑燮、李方膺、罗聘。实际上不止八人，有换汪士慎、高翔、罗聘为高凤翰、边寿民、杨法者，或换高翔。李方膺为闵贞、高凤翰者，也有将陈撰或李褁列入者。
作画多以花卉为题材，亦画山水、人物，主要取法于陈道复、徐渭、朱耷、原济等人，能不拘前人陈规。破格创新，抒发真实情感；又都能诗，擅书法或篆刻，讲究诗书画的结合，和当时流行画坛的尚古模拟之风，有所不同，被时人目为“偏师”“怪物”，遂有“八怪”之称。
汪軻是“正统”画风维护者，曾评说：“另出偏师，怪以八名，画非一体。似苏、张之捭阖，皛徐、黄之遗规。率汰三笔五笔，复酱嫌？，；胡谄五言七言，打油自喜。非无异趣，适赴歧途。示崭新于一时，只盛行乎百里。”其实此派不仅对近代写意花卉画的意趣和技法，有相当大的影响；而且直至现代的齐白石、陈师曾、徐悲鸿、潘天寿、来楚生等，都从某个侧面对之有所汲取。
洛神赋图的内容是什么
《洛神赋图》，北京故宫博物院馆藏珍品。原《洛神赋图》卷，东晋著名画家顾恺之绘制。这幅画根据曹植著名的《洛神赋》而作，为顾恺之传世精品。
《洛神赋》是三国时期魏国著名文学家曹植写的的浪漫主义名篇。原名《感鄄赋》，曹植用“其形也，翩若惊鸿，婉若游龙，荣曜秋菊，华茂春松。仿佛兮若轻云之蔽月，飘兮若流风之回雪”来形容洛神。
宋摹本《洛神赋图》在一定程度上保留了顾恺之艺术的若干特点，千载之下，亦可遥窥其笔墨神情。全卷分为三个部分，曲折细致而又层次分明地描绘着曹植与洛神真挚纯洁的爱情故事。人物安排疏密得宜，在不同的时空中自然地交替、重叠、交换，而在山川景物描绘上，无不展现一种空间美。
全画用笔细劲古朴，恰如“春蚕吐丝”。山川树石画法幼稚古朴，所谓“人大于山，水不容泛”，体现了早期山水画的特点。
此图卷无论从内容、艺术结构、人物造形、环境描绘和笔墨表现的形式来看，都不愧为中国古典绘画中的瑰宝之一。
步辇图是描绘婚姻题材的吗
《步辇图》，北京故宫博物院馆藏珍品。绢本，设色，纵38．5厘米，横129．6厘米，为唐代著名画家阎立本所绘，线条流利纯熟，富有表现力，是一件具有重要历史价值和艺术价值的作品。
《步辇图》是以641年吐蕃首领松赞干布与文成公主联姻的历史事件为题材，描绘唐太宗接见来迎娶文成公主的吐蕃使臣禄东赞的情景。
图卷右半是在宫女簇拥下坐在步辇中的唐太宗，左侧三人前为典礼官，中为禄东赞，后为通译者。在唐太宗的形象是全图焦点。作者煞费苦心地加以生动细致的刻画，画中的唐太宗面目俊朗，目光深邃，神情庄重，充分展露出盛唐一代明君的风范与威仪。
从绘画艺术角度看，作者的表现技巧已相当纯熟。衣纹器物的勾勒墨线圆转流畅中时带坚韧，畅而不滑，顿而不滞；主要人物的神情举止栩栩如生，写照之间更能曲传神韵；图像局部配以晕染，如人物所著靴筒的折皱等处，显得极具立体感；全卷设色浓重淳净，大面积红绿色块交错安排，富于韵律感和鲜明的视觉效果。此图一说为宋摹本，但摹绘较精，仍不失原作之真。幅上有宋初章友直小篆书有关故事，还录有唐李道志、李德裕“重装背”时题记两行。
唐宫仕女图展示了唐代盛况吗
唐代作为封建社会最为辉煌的时代，也是仕女画的繁荣兴盛阶段。中国古代仕女众生像，“倾国倾城貌，多愁多病身”，唐代仕女画以其端庄华丽，雍容典雅著称，《唐宫仕女图》展示着“回眸一笑百媚生”的唐代美女众生像。
其中最杰出的代表莫过于张萱的《虢国夫人游春图》《捣练图》和周窻的《簪花仕女图》《挥扇仕女图》以及晚唐的《宫乐图》。它们所表现的贵族妇女生活情调，成为唐代仕女画的主要艺术特征。
张萱、周窻是唐代最具盛名的仕女画大家，驰誉丹青。张萱在盛唐时画贵族人物最负时誉，不仅能够表现上层社会妇女的姿容情态，而且善于巧妙地刻画出“金井梧桐叶落黄”这种宫女被冷落的凄凉情调。周窻出身显贵，多画宫廷妇女，其风格为优游闲逸，容貌丰肥，衣榴劲简，色彩柔丽，独树一帜。
五牛图何以成为孤品
《五牛图》，北京故宫博物院馆藏珍品。麻纸本，纵28．8厘米，横139．8厘米，无款印。作者是唐代著名的宰相韩。韩字太冲，长安人，少师休之子。那时，韩干以画马著称，韩以画牛著称，后人称为“牛马两韩”。
这幅《五牛图》，是韩最为传神的一幅。五头健硕的老黄牛，在这位当朝宰相笔下被“人格化”了，传达出注重实际、任劳任怨的精神信息。
它问世后，收藏者包括赵构、赵伯昂、赵孟瞓、乾隆等著名人物。在明代，它几易其主。清兵入关后一度下落不明，直到乾隆年间，才从民间收集到宫中珍藏。1900年，八国联军洗劫紫禁城，《五牛图》被劫出国外，从此杳无音讯。20世纪50年代，它被一位寓居香港的爱国人士发现。
1950年初，周恩来收到这位爱国人士的来信，信中说，唐代韩的《五牛图》曾在香港露面，画的主人要价十万港币，自己无力购买，希望中央政府出资尽快收回国宝。
周恩来立即给文化部下达指示，鉴定真伪，不惜一切代价购回，并指示派可靠人员专门护送，确保文物安全。文化部接到指示后，立即组织专家赴港，鉴定《五牛图》确系真迹，经过多次交涉，最终以六万港元成交。《五牛图》回到故宫时，画面洞孔累累，残破不堪。故官博物院组织专家，用了几年时间，才将它修复完好。
这幅《五牛图》，其用笔之细，描写之传神，牛态之可掬，几可呼之欲出。它的珍贵还在于，中国古代留存今世的多为花鸟人物，以牛入画，且如此生动者，《五牛图》堪称孤品。
韩熙载夜宴图中的宴会场景
《韩熙载夜宴图》是五代大画家顾闳中所作。北京故宫博物院馆藏珍品。绢本纵27．9厘米横69厘米。作品以连环长卷的方式描摹了南唐巨宦韩熙载家开宴行乐的场景。用笔细润圆劲，设色浓丽，人物形象清俊、娟秀，栩栩如生而名闻中外。是今存五代时期人物画中最杰出的代表作。
《韩熙载夜宴图》共分五段，每一段画面以屏风相隔。
第一段描绘韩熙载在宴会进行中与宾客们听歌女弹琵琶的情景，生动地表现了韩熙载和他的宾客们全神贯注侧耳倾听的神态。
第二段描绘韩熙载亲自为舞女击鼓，所有的宾客都以赞赏的神色注视着韩熙载击鼓的动作，似乎都陶醉在美妙的鼓声中。
第三段描绘宴会进行中间的休息场面，韩熙载坐在床边，一面洗手，一面和几个女子谈话。
第四段是描绘韩熙载坐听管乐的场面。韩熙载盘膝坐在椅子上，好像在跟一个女子说话，另有五个女子做吹奏的准备，她们虽然坐在一排，但各有各的动作，毫不呆板。
第五段是描绘韩熙载的众宾客与歌女们谈话的情景。
这幅画卷不仅仅是一幅描写私人生活的图画，更重要的是它反映出那个特定时代的风情。由于作者的细微观察，不放过任何一个细节，把韩熙载生活的情景描绘得淋漓尽致，画面里的所有人物的音容笑貌栩栩如生。
此画卷据传系宫廷画家顾闳中奉后主李煜之命而画，此画卷中的主要人物韩熙载是五代时北海人，字叔言，后唐同光年进士，文章书画，名震一时。
其父亲因事被诛，韩熙载逃奔江南，投顺南唐。初深受南唐中主李瞡的宠信，后主李煜继位后，当时北方的后周威胁着南唐的安全，李煜一方面向北周屈辱求和，一方面又对北方来的官员百般猜疑、陷害，整个南唐统治集团内斗争激化，朝不保夕。
在这种环境之中，官居高职的韩熙载为了保护自己，故意装扮成生活上腐败，醉生梦死的糊涂人，好让李后主不要怀疑他是有政治野心的人以求自保。
但李煜仍对他不放心，就派画院的“待诏”顾闳中和周文矩到他家里去，暗地窥探韩熙载的活动，命令他们把所看到的一切如实地画下来交给他看。
大智若愚的韩熙载当然明白他们的来意，韩熙载故意将一种不问时事，沉湎歌舞，醉生梦死的形态来了一场酣畅淋漓的表演。顾闳中凭借着他那敏捷的洞察力和惊人的记忆力，把韩熙载在家中的夜宴过程默记在心，回去后即刻挥笔作画，李煜看了此画后，暂时放过了韩熙载等人，一幅传世精品却因此而流传下来。
千里江山图是山水画巨制吗
《千里江山图》，北京故宫博物院馆藏珍品。绢本，设色，纵51．5厘米，横1191．5厘米，为中国北宋青绿山水画作品。作者王希孟。王希孟18岁为北宋画院学生，后召入禁中文书库，曾得到宋徽宗赵佶的亲自传授，半年后即创作了《千里江山图》。惜年寿不永，20余岁即去世，是一位天才而又不幸早亡的优秀青年画家。
画中描写岗峦起伏的群山和烟波浩淼的江湖。依山临水，布置以渔村野市，水榭亭台，茅庵草舍，水磨长桥，并穿插捕鱼、驶船、行路、赶脚、游玩等人物活动。形像精细，刻画入微，人物虽细小如豆，而意态栩栩如生，飞鸟虽轻轻一点，却具翱翔之势。
山石皴法以披麻与斧劈相结合，综合了南、北两派的特长。设色继承了唐以来的青绿画法，于单纯统一的蓝绿色调中求变化。用赭色为衬托，使石青，石绿颜色在对比中更加鲜亮夺目。整个画面雄浑壮阔，气势磅礴，充满著浓郁的生活气息，将自然山水，描绘得如锦似绣，分外秀丽壮美，是一幅既写实又富理想的山水画作品，是中国传统山水画中少见的巨制。卷后有当时蔡京的题跋，证明此画是真迹无疑。
《千里江山图》绢本大手卷，青绿设色。画面上江水浩荡，浩渺天际，应是南方水色；而群山起伏，略少平原，危峰高耸，岩断崖，却是北方山景。
石青石绿是矿物颜料，本来覆盖性就很强，经层层叠加，质感凝重，与整幅画的墨青、墨绿基调浑然一体，鲜艳而不媚俗。虽然不似金碧山水那样勾金线，却依然感觉满幅富丽堂皇，这也就是此图较之前唐的青绿山水更趋成熟之处。
清明上河图因何具有史料价值
《清明上河图》是北宋画家张择端存世的仅见的一幅清明上河图精品。是传世名作、一级国宝。北京故宫博物院馆藏珍品。绢本设色，宽24．8厘米，长528．7厘米。
《清明上河图》是中国绘画史上最著名的作品之一，不但艺术水平高超，而且围绕着它还流传下来许多有趣的故事。这幅画描绘的是汴京清明时节的繁荣景象，是汴京当年繁荣的见证，也是北宋城市经济情况的写照。
通过这幅画，我们了解了北宋的城市面貌和当时各阶层人民的生活。《清明上河图》具有极高的史料价值。
《清明上河图》以精致的工笔记录了北宋末叶、徽宗时代首都汴京郊区和城内汴河两岸的建筑和民生。该图描绘了清明时节，北宋京城汴梁以及汴河两岸的繁华景象和自然风光。
作品以长卷形式，采用散点透视的构图法，将繁杂的景物纳入统一而富于变化的画面中，画中人物五百多，衣着不同，神情各异，其间穿插各种活动，注重戏剧性，构图疏密有致，注重节奏感和韵律的变化，笔墨章法都很巧妙。全图分为三个段落。
首段，汴京郊野的春光：在疏林薄雾中，掩映着几家茅舍、草桥、流水、老树、扁舟。两个脚夫赶着五匹驮炭的毛驴，向城市走来。一片柳林，枝头刚刚泛出嫩绿，使人感到虽是春寒料峭，却已大地回春。路上一顶轿子，内坐一位妇人。轿顶装饰着杨柳杂花，轿后跟随着骑马的、挑担的，从京郊踏青扫墓归来。环境和人物的描写，点出了清明时节的特定时间和风俗，为全画展开了序幕。
中段，繁忙的汴河码头：汴河是北宋国家漕运枢纽，商业交通要道，从画面上可以看到人烟稠密，粮船云集，人们有在茶馆休息的，有在看相算命的，有在饭铺进餐的。还有＂王家纸马店＂，是扫墓卖祭品的，河里船只往来，首尾相接，或纤夫牵拉，或船夫摇橹，有的满载货物，逆流而上，有的靠岸停泊，正紧张地卸货。
横跨汴河上的是一座规模宏大的木质拱桥，它结构精巧，形式优美。宛如飞虹，故名虹桥。有一只大船正待过桥。船夫们有用竹竿撑的；有用长竿钩住桥梁的；有用麻绳挽住船的；还有几人忙着放下桅杆，以便船只通过。
邻船的人也在指指点点地象在大声吆喝着什么。船里船外都在为此船过桥而忙碌着。桥上的人，也伸头探脑地在为过船的紧张情景捏了一把汗。这里是名闻遐迩的虹桥码头区，车水马龙，熙熙攘攘，名副其实地是一个水陆交通的会合点。
后段，热闹的市区街道：以高大的城楼为中心，两边的屋宇鳞次栉比，有茶坊、酒肆、脚店、肉铺、庙宇、公廨等。
商店中有绫罗绸缎、珠宝香料、香火纸马等的专门经营，此外尚有医药门诊，大车修理、看相算命、修面整容，各行各业，应有尽有。大的商店门首还扎“彩楼欢门”，悬挂市招旗帜，招揽生意，街市行人，摩肩接踵，川流不息。
有做生意的商贾，有看街景的士绅，有骑马的官吏，有叫卖的小贩，有乘座轿子的大家眷属，有身负背篓的行脚僧人，有问路的外乡游客，有听说书的街巷小儿，有酒楼中狂饮的豪门子弟，有城边行乞的残疾老人，男女老幼，士农工商，三教九流，无所不备。交通运载工具：有轿子、骆驼、牛马车、人力车，有太平车、平头车，形形色色，样样俱全。绘色绘形地展现在人们的眼前。
在五米多长的画卷里，共绘了五百五十多个各色人物，牛、马、骡、驴等牲畜五六十匹，车、轿二十多辆，大小船只二十多艘。房屋、桥梁、城楼等也各有特色，体现了宋代建筑的特征。张择端的《清明上河图》是一幅描写北宋汴京城一角的现实主义的风俗画，具有很高的历史价值和艺术水平。
富春山居图是描绘江边秋景吗
《富春山居图》，纵33厘米，横636．9厘米，纸本，水墨。始画于至正七年，于至正十年完成。该画于清代顺治年间曾遭火焚，断为两段，前半卷被另行装裱，重新定名为《剩山图》，现藏浙江省博物馆。被誉为浙江博物馆镇馆之宝。
是元代画坛宗师、“元四家”之首黄公望晚年的杰作，也是中国古代水墨山水画的巅峰之笔，在中国传统山水画中所取得的艺术成就，可谓空前绝后，历代莫及。
元至正七年，黄公望开始创作这卷山水画名作，历时多年方始告竣。它以长卷的形式，描绘了富春江两岸初秋的秀丽景色，峰峦叠翠，松石挺秀，云山烟树，沙汀村舍，布局疏密有致，变幻无穷，以清润的笔墨、简远的意境，把浩渺的江南山水表现得淋漓尽致，达到了“山川浑厚，草木华滋”的境界。
这卷名画在此后的数百年间流传有绪，历尽沧桑。从画上题跋看。此画最初是为无用禅师所作。一百多年后的明成化年间，为著名画家沈周所得。至明万历年间，又归大书画家董其昌所有。但不久就转手为宜兴吴之矩所藏。吴又传给其子吴洪裕。吴洪裕特意在家中建富春轩藏之。
吴洪裕爱此画若宝，临终之际，竟想仿唐太宗以《兰亭序》殉葬之例，嘱人将此画投入火中，焚以为殉。幸得其侄子吴子文眼明手快，以另一卷画易之，将《富春山居图》从火中抢出，才免遭“火殉”。但画的前段已烧去寸许，从此分为长短两段。
画的后段从吴家流散后，曾历多人收藏，于清乾隆十一年流人清宫。有意思的是，号称风雅的乾隆皇帝居然不识宝，认定它是赝品，而对另一卷他人临摹的《富春山居图》大加赏赞，又是题跋又是钤印。但也幸而如此，那卷真迹倒借此得以“全壁”，后在解放前夕运往台湾，归台北故宫博物院收藏。
汉宫春晓图描绘宫中嫔妃吗
《汉宫春晓图》，中国重彩仕女第一长卷。绢本重彩，尺幅很大，横2038．5厘米，纵37．2厘米，作为装饰性绘画来说属于巨制。汉宫春晓是中国人物画的传统题材，主要描绘宫中缤妃生活。
仇英字实父，一作实甫、号十洲，江苏太仓人，移家吴县。存世画迹有《玉洞仙源图》《桃村草堂图》《剑阁图》《松溪论画图》等。
仇英是明代有代表性的画家之一，与沈周，文征明和唐寅被后世并称为“明四家”，亦称“天门四杰”。沈、文、唐三家，不仅以画取胜，且佐以诗句题跋，就画格而言，唐，仇相接近，仇英在他的画上，一般只题名款。
仇英在绘画上以“重彩仕女”著称于世，《汉宫春晓图》是仇英重彩仕女画的杰出代表。此图勾勒秀劲而设色妍雅，画家借皇家园林殿宇之盛，以极其华丽的笔墨表现出宫中嫔妃的日常生活，极勾描渲敷之能事。不仅是仇英平生得意之作，在中国重彩仕女画中也独树一帜，独领风骚。
仇英擅人物画，尤工仕女，重视对历史题材的刻画和描绘，吸收南宋马和之及元人技法，笔力刚健，特擅临摹，粉图黄纸，落笔乱真。至于发翠豪金，综丹缕素，精丽绝逸，无愧古人，尤善于用粗细不同的笔法表现不同的对象，或圆转流畅，或顿挫劲利，既长设色，又善白描。
人物造型准确，概括力强，形象秀美，线条流畅，有别于时流的板刻习气，直趋宋人室，对后来的尤求、禹之鼎以及清宫仕女画都有很大影响，成为时代仕女美的典范，后人评其工笔仕女，刻画细腻，神采飞动，精丽艳逸，为明代之杰出者。杰出作品有《人物故事图》《汉宫春晓图》《供职图》等。
百骏图是谁的作品
《百骏图》，该稿本为纸质，纵102厘米、横813厘米。目前保留在台北故宫博物院。意大利人郎世宁1715年他以传教士的身份远涉重洋来到中国，就被重视西洋技艺的康熙皇帝召入宫中，从此开始了长达五十多年的宫廷画家生涯。
在绘画创作中，郎世宁融中西技法于一体，形成精细逼真的效果，创造出了新的画风，因而深受康熙、雍正、乾隆器重。《百骏图》是他的代表作之一。
清代是中国宫廷绘画的顶峰，来自意大利的传奇画家郎世宁，则是清代宫廷绘画领袖，正是在他中西合璧绘画技法的影响下，才形成了别具一格的清代宫廷画风。
郎氏善画马，《百骏图》是其平生百余幅马作品中的杰作。此图描绘了姿态各异的骏马百匹放牧游息的场面。全卷色彩浓丽，构图复杂，风格独特，别具意趣。
郎世宁年轻时在欧洲学习绘画，曾为教堂绘制圣像。清康熙五十四年，他作为天主教耶稣会的修道士来中国传教，到京后约于雍正元年进入如意馆，成为宫廷画家。
他很好地融合了中西绘画技法，既讲究西方绘画中的立体效果，注意透视和明暗，重视写实和结构准确的合理性。由于他能画并精通建筑学，曾参与增修圆明园建筑工事。擅画肖像、走兽、花果、翎毛尤善画马。
所作大多以西画法入绢纸，略参中法，以写实为工，专注形似。他将欧洲的绘画品种和方法传授给中国的宫廷画家，为中西文化艺术的交流作出了积极贡献，颇得皇家青睐。去世后葬于北京阜城门外。存世作品有《聚瑞图》《嵩献英芝图》《百骏图》《弘历及后妃像》《平定西域战图》等。
怎样欣赏中国绘画
欣赏一幅中国画作品，对于一般人来说，常常是能否“看懂”作为评判标准。欣赏步骤是：画的是什么？画得像不像？画家画这种形象的寓意是什么？如果都回答出来了，便认为是看懂了，如果回答不出来，便认为是看不懂。
这种方法就是一种传统的讲故事的方法，对于绘画作品的欣赏往往过多借助文学性的描述。用这种方法来欣赏中国画，一般来说，工笔的、写实的作品就容易欣赏，因为它是具体、真实的，属于看得懂范畴。
当然，要从画中去体验到一种神韵却并不是一件容易的事，那不但需要一定的审美能力、艺术修养，也还需要具备一定的国画基本知识，特别是通过画而训练出来的一种感觉。所以要很好地欣赏国画，还得具备多方面的才能和艺术修养。
艺术欣赏需要经过审美感知、审美理解和审美创造三个阶段，中国画也是如此。
审美感知就是要求我们直观地去感知审美对象，即艺术作品本身，我们可以去感知作品上画的是什么？画得像或是不像，色彩是鲜明的或是灰暗的，线条是流畅的或是笨拙的，表现手法是工笔的或是写意的等，总之要自己亲自地平心静气地进行直观的感受。
在审美感知的基础上进行审美理解。即在直观感受的基础上，进行理解和思考，把握作品的意味、意义和内涵。这种理解包括对作品的艺术形式和艺术技巧的理解；对作品表现的内容和表达的主题的理解；以及对作品的时代背景和时代精神的理解等等，这就需要充分调动我们的思考能力。
我们可以一步步地想下去：作品画的内容要表现什么？是怎样表现的？所采用的艺术手段是否恰当？能否充分地表达出主题？
透过作品的画面，猜测作者的心思，是热情地歌颂或是辛辣地讽刺；透过画面的气氛，体验画面的情调：是深沉或是豪放，是乐观或是悲伤。再还可以根据已有的知识结构，结合作者的身世、创作特点和所处的时代背景等进行分析。
到了这一步，艺术的审美欣赏并没有完结，还有一个审美创造阶段。就是通过审美的感知和审美的理解后，在对作品审美的基础上进行再创造，通过自己积累的审美经验、文化知识、生活阅历等进行丰富的联想、升发开去，再创造出一个新的意象来。
怎样学习中国绘画
对一个初学者来说，最主要的是从临摹画得比较好的国画开始。临摹是学习中国画的重要手段之一，对于祖国绘画优良传统的认识和吸取前人技法经验具有实际意义。国画中许多优良的传统技法是历史画家创造的总结，是许多宝贵经验的积累。我们从临摹中去学习、理解、吸取其精华，古为今用。
中国画和油画在某种程度上是相似的，都讲究临摹的重要性，也就是一个造型能力的问题，尤其在早期学习中国画过程中，这一点尤其重要。
学习好与坏直接关系到以后中国画的研究与创作，但是临摹的时候我们也要讲究方法，不能盲目的临摹，也要有目的去寻找适合自己的路子去临摹，要仔细而认真的研究古今各个大师的作品。
要选一些精品和代表作，也就是说起点要高，对于小名家，在某种程度上可以忽略不计，同时也要注意写生的重要性，经常游览名山大川，提高自己的感性认识能力。向古人学习的同时也要向自然学习，才能创造出好的中国画。
什么叫作书法
中国传统艺术之一。是以毛笔书写汉字的方法，来表达作者精神美的艺术。它的基本要求有：一是使用柔软的毛笔，二是书写形象丰富的汉字。
因此，其有两义：一指毛笔字书写的法则，主要包括执笔、用笔、点划、结构、分布等方法；一指以书写汉字来表达作者精神美的艺术。就是借助于精湛的技法、生动的造型来表达出作者的性格、趣味、学养、气质等精神因素，其为侧重于“心画”。两者相融合，便构成了中国的书法艺术。
从书法构成的要素来说，包括了三个方面：一是笔法，要求熟练地执使毛笔，还握正确的指法、腕法、身法、用笔法、用墨法等技巧；二是笔势。要求妥当地组织好点画与点画之间、字与字之间、行与行之间的承接呼应关系；三是笔意。要求在书写过程中表现出书者的气质、情趣、学素和人品。
从书体、风格上说，更是多姿多态，美不胜收。我国的书法艺术有三千多年的历史，之所以成为一门艺术，主要取决于中国人善于把实用的东西上升为美的艺术，同时与中国独特的文字和毛笔关系密切有关。
其文字以象构思、立象尽意的特点酝酿着书法艺术的灵魂，而方块构形，灿然于目的姿质又构成书法艺术的形式基础。其工具，“唯笔软则奇怪生焉”，可生出方圆藏露、逆顺向背的韵味，轻重肥瘦、浓淡湿涩的情趣，抑扬顿挫、聚散疏密的笔调。
断连承接、刚柔雄秀的气势；再辅以专门制作的纸墨，使书法艺术更趋变幻莫测。韵味无穷。书法不仅成为表达最高意境与情操的民族艺术，而且居于所有艺术之首。
书法在中国不仅举世同好，千古一风，而且早已走出国门，成为传播友谊的媒介，在东方世界颇有影响，也备受西方世界的瞩目。
什么是书法的院体
书法术语。宋太祖时曾置御书院，书院成员都是学习王义之的字，以用于书写当时朝廷的各种文告敕令。这种字，体轻势弱，多呆板无神，了无高韵，人称院体。后来，人们不管其书者为谁，书为何体，凡无骨力、无神韵的书法皆被人称为“院体”。故这一书法术语。用以对书法气格的品评，一般含有贬义。
什么是书法的钩填
书法术语。复制法书的一种方法。以较透明的纸蒙在法书上，先以细笔双勾，后用墨廓填故称。亦称“双勾廊填”。南宋姜夔《续书谱》谓：“双勾之法，须得墨晕不出字外，或廓填其内、或朱其背，正得肥瘦之本体。”
什么是书法的法帖
亦称“帖”。指古代名人的墨迹，摹刻在石版或木板上的法书及其拓本；称为“法帖”，即可供效法者。宋太宗淳化三年，命侍书学士王著摹刻秘阁所藏法书，编为十卷，每卷首刻“法帖第x”，汤《淳化阁法帖》，其法帖之名相传由此始行。《法帖谱系》称：“熙陵留意翰墨，出御府历代所藏真迹，命王著摹刻禁中，厘为十卷，此历代法帖之祖。”
什么是书法的结体
结体亦称结字、间架、结构。指每个字点划间的安排与形势的布置。汉字尚形，书法又是“形学”故结体尤显重要。元赵盂瞓《兰亭跋》：“书法以用笔为上，而结字亦须用工。”
汉字各种字体，皆由点划联结，搭配而成。笔划的长、短、粗、细、俯、仰、缩、伸，偏旁的宽、窄、高、低、欹、正，构成了每个字的不同形态，要使字的笔划搭配适宜、得体、匀美，研究其结体必不可少。
正如清冯班在《纯吟书要》中所云：“先学间架，古人所谓结字也；间架既明，则学用笔。间架可看石碑，用笔非真迹不可。结字，晋人用理，唐人用法，宋人用意。”又云：“书法无他秘，只有用笔与结字耳。”可见，结字在书法中占有重要地位。
什么是书法的笔锋
笔毫的尖铁。姜夔《续书谱·用墨》云：“笔欲锋长劲而圆，长则含墨，可以运动，劲则有力，圆则妍美。”字的锋芒，也叫“笔锋”。能将笔之锋尖保持在字的点划之中者，叫“中锋”；能藏在点划中间的不出角者，叫“藏锋”；将笔之锋尖偏在字的点划一面者，叫“偏锋”。
一般以偏锋为书法之病。清周星莲《临池管见》云：“能将此笔正用、侧用、顺用、逆用、重用、轻用、虚用、实用，擒得定，纵得出，遒得紧，拓得开，浑身都是解数，全仗笔尖毫末锋芒指使，乃为合拍。”
什么是书法的飞白
亦称草篆。一种书写方法特殊的字体。笔画是枯丝平行，转折处笔路毕显。相传东汉灵帝时修饰鸿都门，工匠用刷白粉的帚子刷字，蔡各得到启发而作飞白书。
唐代张怀馞《书断》载：“飞白者，后汉左中郎将蔡邕所作也。王隐、王？共云：‘飞白变楷制也’。本是宫殿题署，势既寻丈，字宜轻微不满，名曰飞白。”北宋黄伯思称“取其若丝发处谓之白，其势飞举谓之飞。”
明代赵宦光称“白而不飞者似篆，飞而不白者似隶。”今人将书画的干枯笔触部分泛称为飞白。传世的唐宋御制碑多以飞白题额，如《晋祠铭》《升仙太子碑》等。清张燕昌、陆纪曾有《飞白录》二卷。
书法的章法是什么意思
指安排布置整幅作品中，字与字、行与行之间呼应、照顾等关系的方法。亦即整幅作品的“布白”。亦称“大章法”。习惯上又称一字之中的点画布置，和一字与数字之间布置的关系为“小章法”。
明张绅《书法通释》云：“古人写字正如作文有字法。章法、篇法，终篇结构首尾相应。故云：‘一点成一字之规；一字乃终篇之主’”。
明董其昌《画禅室随笔·评书法》云：“古人论书以章法为一大事，盖所谓行间茂密是也。余见米痴小楷，作《西园雅集图记》，是纨扇，其直如弦，此必非有他道，乃平日留意章法耳。右军《兰亭序》，章法为古今第一，其字皆映带而生，或小或大，随手所如，皆入法则，所以为神品也。”
可见，章书在一件书法作品中显得十分重要，书写时必须处理好字中之布白、逐字之布白、行间之布白，使点画与点画之间顾盼呼应，字与字之间随势而安，行与行之间递相映带，如是自能神完气畅，精妙和谐，产生“字里金生，行间玉润”的效果。
布白的形式大体有三：一是纵有行横有列，二是纵有行横无列，三是纵无行，横无列，它们或有“镂金错采”的人工美，或具“芙蓉出水”的自然美。
书法的墨法是什么意思
亦称血法。一曰：用墨之法。前人谓水墨者，字之血也。故临地作书时极为讲究。墨过淡则伤神彩，太浓则滞笔锋。必须做到“浓欲其活，谈欲其华。”
宋姜夔《续书谱·用墨》云：“凡作楷，墨欲乾，然不可太燥。行、草则燥润相杂，以润取妍，以燥取险。墨浓则笔滞，燥则笔枯，亦不可知也。”清包世臣《艺舟双辑·述书下》云：“画法、字法，本于笔，成于墨，则墨法尤书艺一大关键已。笔实则墨沉，笔飘则墨浮。”
用墨作风，一方面往往因时因人而异。如北宋浓墨实用，南宋浓墨活用；刘墉喜用浓墨，梦楼专尚淡墨。另一方面，又常因书体风格、纸张性能的不同而有所区别。
二曰：磨墨之法。宋苏易简《文房四谱·墨谱》云：“研墨如病，盖重其调匀而不泥也。”研墨要凉，凉则生光。墨不宜热，热则生沫。盖忌其研急而墨热。又李阳冰曰：“用者旋研，无今停久，久时尘埃相污，胶力隳亡。如此泥钝不任下笔矣。”
元陈绎曾《翰林要诀·肉法》云：“磨墨之法，重按轻推，运行近折。”“凡磨墨不得用砚池水，令墨滞笔？，须以水滴汲新水临时斟酌之”，“凡书不得自磨墨，令手颤、筋骨大强，是大忌也。”
书法的笔法是什么意思
写字作画用笔的方法。中国书画主要都以线条表现，所用工具都是尖锋毛笔，要使书画的线条点画富有变化，必先讲究执笔，在运笔时掌握轻重、快慢、偏正。曲直等方法，称为“笔法”。
唐张怀馞道《玉堂禁经·用笔祛》云：大凡笔法，点画八体，备于“永”字。故元赵孟瞓于《兰亭跋》中云：“盖结字因时相传，用笔千古不易。”
中国古代最著名书法家有哪些
中国古代有许多著名书法家，其中以王羲之、欧阳询、颜真卿、柳公权、苏轼、黄庭坚、褚遂良最为出色。
王羲之，汉族，字逸少，号澹斋。原籍琅琊临沂，后迁居山阴，官至右军将军，会稽内史，是东晋伟大的书法家，被后人尊为“书圣”。
代表作品有：《乐毅论》《黄庭经》《十七帖》《姨母帖》《快雪时晴帖》《丧乱帖》《兰亭序》等。精研体势，心摹手追，广采众长，冶于一炉，创造出“天质自然，丰神盖代”的行书。
欧阳询，字信本，潭州临湘人。欧阳询楷书法度之严谨，笔力之险峻，世无所匹，被称之为唐人楷书第一。代表作楷书有《九成宫醴泉铭》《皇甫诞碑》《化度寺碑》《兰亭记》行书有《行书千字文》。后人以其书于平正中见险绝，最便初学，号为“欧体”。
颜真卿，字清臣，琅琊孝悌里人，唐代中期杰出书法家。初学褚遂良，后师从张旭得笔法，又汲取初唐四家特点，兼收篆隶和北魏笔意，完成了雄健、宽博的颜体楷书的创作，树立了唐代的楷书典范。
他创立的颜体楷书与赵孟瞓、柳公权、欧阳询并称“楷书四大家”。和柳公权并称：“颜筋柳骨”。《颜氏家庙碑》，书法筋力丰厚，也是他晚年的得意作品。传世墨迹有《争座位贴》《祭侄文稿》《刘中使帖》《自书告身帖》等。
柳公权，字诚悬，京兆华原人。官至太子太师，世称柳少师，是唐朝最后一位著名书法家。由於他也被皇帝封为河东郡公，因此後人也称他柳河东。他是颜真卿的後继者，後世以颜柳并称他们，成为历代书法的楷模。柳公权一生书碑特多，主要代表作《金刚经刻石》《李晟碑》《玄秘塔碑》。
苏轼，眉州人，字子瞻，又字和仲，号“东坡居士”，世人称其为“苏东坡”。祖籍栾城。北宋著名文学家、书画家、词人、诗人，美食家，唐宋八大家之一，豪放派词人代表。其诗，词，赋，散文，均成就极高，且善书法和绘画，是中国文学艺术史上罕见的全才，也是中国数千年历史上被公认文学艺术造诣最杰出的大家之一。
苏轼的散文与欧阳修并称“欧苏”；诗与黄庭坚并称“苏黄”；词与辛弃疾并称“苏辛”；书法名列“苏、黄、米、蔡”北宋四大书法家之一；其画则开创了“湖州画派”。苏轼的主要书法代表作有《中山松醪赋》《洞庭春色赋》《答谢民师论文帖》《江上帖》《李白仙诗帖》《令子帖》《怀素自序》等。
褚遂良是唐朝著名书法家。他的书法，初学虞世南，晚年取法钟繇、王羲之，融汇汉隶，丰艳流畅，变化多姿，自成一家。与欧阳询、虞世南、薛稷并称初唐四大书家。相传虞世南死后，唐太宗叹息无人可以论书。
魏征称赞说：“褚遂良下笔遒劲，甚得王逸少体。”魏征认为，他对王字理解的深刻，有辨认王字真伪的能力。他的传世书迹有楷书《孟法师碑》《雁塔圣教序》《伊阙佛龛》。
怎么理解书法的米字格
米字格的用法历来书法学习者和爱好者在练习书法结构时必须研习的范式。汉字中有很多字都可以用到米字格的规律。
第一类是上半部有两点一竖的字，如“光、尚、当、肖”等字。第二类是下半部有一撇一捺中点一竖的字，如“木、东”等。违反了米字格规律去写这些字，效果一看便知。
汉字结构中有很多雷同之处，如果找到一个结构的规律，又把它推广到别的字，便能更快地掌握更多字的写法。
汉字结构的美感是有规可循的，在认真研究掌握这些规律之前，不要急忙追求创新革旧。在融会贯通了书法的基本功和结构之后，属于你自己的独特的东西是会自然成就的。
如何欣赏书法作品
一幅书法作品，放在我们的面前，怎么评价、怎么读懂、怎么欣赏，是每个初学书法的人、甚至是广大读者都感到困惑而且很想知道的问题。
南朝书家王僧虔在《笔意赞》中说：“书之妙道，神采为上，形质次之，兼之者方可绍于古人。”他所强调的时以形写神，形神兼备。在读作品之前，心里首先要明确书法欣赏的审美标准，这是正确进行书法欣赏的基础。其次是要掌握书法欣赏的方法，这是进行书法欣赏的关键所在。
一、书法的审美标准
一般地说，形包括点画线条以及由此而产生的书法空间结构；神主要指书法的神采意味。
书法的点画线条。书法的点画线条具有无限的表现力，它本身抽象，所构成的书法形象也无所确指，却要把全部美的特质包容其中。这样，对书法的点画线条就提出了特殊的要求。要求具有力量感、节奏感和立体感。
力量感是线条美的要素之一。它是一种比喻，指点画线条在人心中唤起的力的感觉。早在汉代，蔡邕《九势》就对点画线条作出了专门的研究，指出藏头护尾，力在字中，令笔心常在点画中行，点画势尽，力收之。要求点画要深藏圭角，有往必收，有始有终，便于展示力度。
需要注意的是，强调藏头护尾，不露圭角，并不是说可以忽略中间行笔。中间行笔必须取涩势中锋，以使点画线条浑圆醇和，温而不柔，力含其中。
但是，点画线条的起止并非都是深藏圭角不露锋芒的大篆、小篆均须藏锋。书法中往往根据需要藏露结合，尤其在行草书中，千变万化。欣赏时，既要注意起止的承接和呼应，又要注意中段是否浮滑轻薄。
节奏感本指音乐中音符有规律的高低、强弱、长短的变化。书法由于在创作过程中运笔用力大小以及速度快慢不同，产生了轻重、粗细、长短、大小等不同形态的有规律的交替变化，使书法的点画线条产生了节奏。
汉字的笔画长短、大小不等，更加强了书法中点画线条的节奏感。一般而言，静态的书体如篆书、隶书、楷书节奏感较弱，动态的书体如行书、草书节奏感较强，变化也较为丰富。
立体感是中锋用笔的结果。中锋写出的笔画，映日视之，画之中心，有一缕浓墨，正当其中，至于折处，亦当中无有偏侧。这样，点画线条才能饱满圆实，浑厚圆润。因而，中锋用笔历来很受重视。
我们不能发现，在书法创作中侧锋用笔也随处可见。除小篆以外，其它书体都离不开侧锋。尤其是在行草书中，侧锋作为中锋的补充和陪衬，更是随处可见。
书法的空间结构。书法的点画线条在遵循汉字的形体和笔顺原则的前提下交叉组合，分割空间，形成书法的空间结构。空间结构包括单字的结体、整行的行气和整体的布局三部分。
单字的结体要求整齐平正，长短合度，疏密均衡。这样，才能在乎正的基础上注意正欹朽生，错综变化，形象自然，于平正中见险绝，险绝中求趣味。
书法作品中字与字上下或前后相连，形成连缀，要求上下承接，呼应连贯。楷书、隶书、篆书等静态书体虽然字字独立，但笔断而意连。行书、草书等动态书体可字字连贯，游丝牵引。此外，整行的行气还应注意大小变化、欹正呼应、虚实对比，以及由此而产生的节奏感。这样，才能使行气自然连贯，血脉畅通。
书法作品中集点成字、连字成行、集行成章，构成了点画线条对空间的切割，并由此构咸了书法作品的整体布局。要求字与字、行与行之间疏密得宜，计白当黑；平整均衡，欹正相生；参差错落，变化多姿。其中楷书、隶书、篆书等静态书体以平正均衡为主；行书、草书等动态书体变化错综，起伏跌宕。
书法的神采意味。神采本指人面部的神气和光采。书法中的神采是指点画线条及其结构组合中透出的精神、格调、气质、情趣和意味的统称。神采为上，形质次之，兼之者方可绍于古人。
说明神采高于形质点画线条及其结构布局的形态和外观，形质是神采赖以存在的前提和基础；因此，书法艺术神采的实质是点画线条及其空间组合的总体和谐。追求神采，抒写性灵始终是书法家孜孜以求的最高境界。
书法中神采的获得，一方面依赖于创作技巧的精熟，这是前提和基础；另一方面，只有创作心态恬淡自如，创作中心手双畅，物我两忘，才能写出真情至性，融进自己的知识修养和审美趣味。
二、书法欣赏的方法
书法欣赏同其它艺术欣赏一致，需要遵循人类认识活动的一般规律。由于书法艺术的特殊性，又使书法欣赏在方法上表现出独特性。
从整体到局部，再由局部到整体。书法欣赏时，应首先统观全局，对其表现手法和艺术风格有一个大概的印象。进而注意用笔、结字、章法、墨韵等局部是否法意兼备，生动活泼。
局部欣赏完毕后，再退立远处统观全局，校正首次观赏获得的大概印象，重新从理性的高度予以把握。注意艺术表现手法与艺术风格是否协调一致，作品何处精采、何处尚有不足，从宏观和微观充分地进行赏析。
把静止的形象还原为运动的过程，展开联想。书法作品作为创作结果是相对静止不动的。欣赏时应随作者的创作过程，采用移动视线的方法，依作品的前后如语言、时间顺序，想象作者创作过程中用笔的节奏、力度以及作者感情的不同变化，将静止的形象还原为运动的过程。也就是摹拟作者的创作过程，正确把握作者的创作意图、情感变化等。
从书法形象到具体形象，展开联想，正确领会作品意境。在书法欣赏过程中，应充分展开联想，将书法形象与现实生活中相类似的事物进行比较，使书法形象具体化。
再由与书法形象相类似事物的审美特征，进一步联想到作品的审美价值，从而领会作品意境。如欣赏颜真卿楷书，可将其书法形象与荆卿按剑，樊哙拥盾，金刚眩目，力士挥拳等具体形象类比联想，从而可以得出：体格强健———有阳刚之气———富于英雄本色———端严不可侵犯的特征，由此联想到颜真卿楷书端庄雄伟的艺术风格。
了解作品创作背景，正确把握作品的情调。任何一件书法作品都是某种文化、历史的积淀，都是特定历史文化背景下的产物。
了解作品的创作背景包括创作环境，弄清作品中所蕴含的独特的文化气息和作者的人格修养、审美情趣、创作心境、创作目的等等，对于正确领会作者的创作意图，正确把握作品的情调大有裨益。
不论是作者的人格修养、创作心境，抑或是创作环境，都对作品情调有相当的影。加之书法作品受特定时代的书风和审美风尚的影响，更使书法作品折射出多元的文化气息。这无疑增加了书法欣赏的难度，同时更使书法欣赏妙趣横生。
总之，书法欣赏过程中受个性心理的影响，使欣赏的方法没有一个固定的模式。以上所述仅是书法欣赏的一种方法，欣赏过程中可以将几种方法交替使用。
另外，欣赏过程中还必须综合运用各种书法技能、技巧和书法理论知识，极大限度地挖掘自己的审美评价能力，尽力按作者的创作意图体味作品的意境。
努力做到赏中有评、评中有赏，并将作品放在特定的历史环境中去考察，对作品作出正确的欣赏和公正、客观的评价。当然，掌握了正确的欣赏方法以后，多进行欣赏，是提高欣赏能力的重要途径，扬雄谓，能观千剑，而后能剑；能读千赋，而后能赋，说的正是这个意思。
怎样学习书法
首先，学书法的关键在于用笔。著名书法家赵孟瞓曾说过：“书法以用笔为上。”如起笔、行笔、收笔、提笔、按笔、转笔等。用笔之法有方、圆之分。
所谓起笔就是逆锋起笔。所谓中锋行笔就是将笔的主峰保持在笔画中间，藏头护尾，令笔心藏在点画中行，中锋行笔可使点画饱满、圆润、浑厚而有质感。达到入木三分，力透纸背。
方笔是用逆风折笔必然成侧锋。基本要领是“横画直落笔，直画横落笔”，在落笔后马上转为中锋，在收笔处转为侧锋。方笔落笔要快重按，折以成方，圆笔落笔要慢、轻、提，转以成圆。学会用笔也就掌握了书法的关键。
其次，字的结构。将笔画按照一定的规则组织成字，对一个字的笔画来说，要注意疏密得宜，配合匀称，仰覆向背，适当变化，穿插联络，布置整齐，逊让避扰，彼此相按，形断意连，呼应顾盼，各各笔画之间的搭配才能相辅相成。
对笔画的长、短、粗、细、宽、窄等等就如同阴阳学说，必须要阴阳调和，互相依存，做到即对立又统一，才能使字写的惟妙惟肖。
再次要注意章法，就能把许多字写成篇章。整幅作品的分布，如字距、行距、字的大小、高低、留出天地等。要在书写前就设计好，做到心中有数，使字与字，行与行之间大小适宜，疏密得当，即富于变化而又浑然一体。
领会书法的技法和内在神韵，要通过对字帖进行仿写练习，把学过的各种技法写出来与原帖对照，找出差距，把字帖当作一本故事书进行欣赏阅读，增强对技法的领悟。
书法非一日之功，要想写好书法，要坚持不懈，从不间断练习，学书法一定有所成就。
什么是礼艺
礼者，不学礼无以立，《管子·牧民》所谓“仓廪实则知礼节，衣食足则知荣辱”，民间婚嫁、丧娶、入学、拜师、祭祀自古都有礼乐之官。孔子上代屡为司礼之官，孔子少即习礼，“为儿嬉戏，常陈俎豆，设礼容”。
在国家宗庙祭祀方面，古代官方常设太常寺、祠祭署等礼仪衙曹，设立读祝官、赞礼郎、祀丞等礼仪官。如唐代设立有郊社、太乐、鼓吹、太医、太卜、廪牺六个部门，明代则设置太常司，太常司设卿，少卿，丞，典簿、协律郎、博士，赞礼郎。
现代官方则设立外交部礼宾司负责国家之大礼，主管国家对外礼仪事项。涉外酒店则专门设有首席礼宾司职位，负责酒店礼宾事务。正式的首席礼宾司职业，其资格由国际金钥匙组织认证。
礼艺包括哪些内容
在古代有五礼，包括吉、凶、军、宾、嘉礼五科。
吉礼，即祭祀天神、地祗、人鬼等的礼仪活动；凶礼是对各种不幸事件进行悼念、慰问方面的礼节仪式。
军礼主要内容有大师之礼、大均之礼、大田之礼、大役之礼、大封之礼。此外，军队的车马、旌旗、兵器、军容、营阵、行列、校阅，乃至坐作、进退、击刺等，无不依一定的仪节进行。军队的日常训练，包括校阅、车战、舟师、马政等，都有严格的礼仪规定。得胜之后，又有凯旋、告庙、献俘、献捷、受降、饮至等仪节。
宾礼为了联络感情，彼此亲附，需要有定期的礼节性的会见；嘉礼是饮食、婚冠、宾射、燕飨、盇？、贺庆之礼的总称。嘉是善、好的意思。
什么是乐艺
有礼则必有庆贺燕飨之乐，有庆贺燕飨之乐，则必有五音宫商角徵羽伴奏，古代政府设立掌管音乐的官吏，并负责负责宫中庆贺燕飨之乐。
乐，是音乐，是舞蹈。在古代，乐和礼是分不开的，各种仪式都要有乐，亦即礼乐。
历史记载孔子主要有三位老师，相传曾“问礼于老聃，学乐于苌弘，学琴于师襄”。师襄，春秋时期鲁国著名乐官，孔子的老师之一，孔子曾向他学习弹琴。
《史记》里说他“以击磬为官，然能于琴”。唐代的梨园则设立乐官，由梨园教坊使、梨园使、梨园判官、梨园供奉官、都都知与都知组成。现代音乐则早已发展为一种文化产业。
乐艺包括哪些内容
乐，古代有六乐，即云门、大咸、大韶、大夏、大？、大武等古乐名。
从历史发展演变的过程看，可以从以下三个方面来把握乐的内涵。第一，乐和诗和礼是分不开的。古代外交，不同的场合及节气，作为礼的一部分，是需要奏乐唱诗的。第二，乐指向各种音乐活动，吹笛弹琴鼓瑟敲钟等。第三，乐还可以指向各种教化人们娱乐百姓的文学文化，诗歌音乐、说书唱戏、相声小品、电影电视等。
现代人就更离不开乐了，有了音乐，我们的生活更美好，音乐让我们放松、主我们陶醉、让我们的精神更高尚，当你引吭高歌时、当你翩翩起舞时，有多少美女在用崇拜地注视你、倾听你。热爱音乐是一种积极的生活态度，是一种豁达，音乐的精神的寄托。
什么是射艺
射是中国古代六艺之一，孔夫子在《论语》中说过：“君子无所争，必也射乎，揖骹而升，下而饮，其争也君子。”射不但是一种体育活动，更是一种修身养性培养君子风度的方法。
中国古代的射艺包含两个主要运动，即射箭和弹弓，春秋时期还发明了弩。其中射箭由于在军事和狩猎活动中具有非常重要的作用，因此在历史上更受人们的重视。考古工作者在山西峙峪人文化遗址，曾经发现了一件距今两万八千年前的石箭头，这表明当时人类已经在开始使用弓箭了。
唐代武则天设立了武举制度，在武举制度里规定了九项选拔和考核人才的标准，其中五项是射箭，包括长跺、马射、步射、平射还有筒射等等。
如今的射艺，其实应该综容古今，包含现代的手枪、步枪、等实弹射击运动，也应该包括古代的射箭和弹弓，射弩。
射艺有哪些内容
射在古代有五射，即白矢、参连、剡注、襄尺、井仪，就是不同的射箭技术。是关于知识能力的学问。
我们理解的射亦可以从两个方面来理解：第一，射就是军队的操练和演阅。比如军队队列的操练、火炮的应用、导弹的发射等等。第二，除了射箭的含义外，还应该包括习武、剑术、乒乓球、足球等强身健体的运动。
射箭是习武，战火纷争的年代，弓箭是最厉害的武器，可以杀人于百步之外。射，体现了一个民族的武力，显示了国家的强大，那时，不会射箭、不习武的男人找不到老婆。崇武的民族必强大、必扩张，尚文的民族疲于防御、处处被动，文武皆备则不败。射在过去同礼结合，称为礼射。
礼射有严格的礼仪，礼射时有乐伴奏，按严格的等级和步骤进行，是阶级地位的体现。今天的射箭更多是作为一项竞技运动来开展的，练射箭的人身体更健康，性格更坚韧，身姿更挺拔，更优秀。射箭更能表现男人的英雄气概，射箭更能展现女人的婀娜身姿，射箭是行走江湖的必备技能！
什么是御艺
御的范围就是驾驶，但是无论在现代和古代，都包含交通工具的驾驶学和政治、领导、和管理学领域的驾驭学。
中国古代著名的案例包括“赵襄王学御于王子朝”和“田忌赛马”，这说明，驾驭之术不仅仅是一种斗勇，更是一种斗智，包含对某一问题在运筹学、驾驭学、领导学方面的综合最优化。
御艺有哪些内容
御在古代有五御，即鸣和鸾、逐水曲、过君表、舞交衢、逐禽左，是各种驾驭车马的技术能力。是关于主事能力的学问。
这里可以理解为人们生存发展的各种技能，比如航船、开飞机、开火车、操作计算机、烹饪、理发等。
御，即骑马、驾车。古代的御，于武、于文都是很重要的。于武，那是的骑兵勇猛无比、无坚不摧。于文，骑上马、驾上车就可以去更远的地方，所谓“行万里路，读万卷书”。
什么是书艺
书在古代有六书，指象形、会意、指事、转注、假借、谐声六科，是关于记述能力的学问。
许慎对六书作了比较详细的解说：“周礼：八岁入小学，保氏教国子，先以六书。一曰指事。指事者，视而可识，察而见意，上下是也。二曰象形。象形者，画成其物，随体诘诎，日月是也。三曰形声。形声者，以事为名，取譬相成，江河是也。四曰会意。会意者，比类合谊，以见指伪，武信是也。五曰转注。转注者，建类一首，同意相受，考老是也。六曰假借。假借者，本无其字，依声托事，令长是也。”
六书的又一说即六甲，是古代学童练习写字的材料。因十天干和十二地支依次相配，其中有甲子、甲戌、甲申、甲午、甲辰、甲寅，所以叫六甲。
书顾名思义，书画艺术，把书画算作一种技艺就错了，中国的书画不仅是一种高雅技艺，更是一种修身养性的工具和法宝，很多人寄情于书画，不仅仅是锻炼技艺，其实“醉翁之意不在酒”。
书艺有何积极意义
书的内涵可以从以下两个方面来理解。第一，理解为包括了各种历史文化知识，包括了各种文献资料，是人类精神薪火所在。第二，理解为各种刻苦学习社会人文科学知识的活动，比如闻鸡起舞、萤囊映雪、头悬梁锥刺股等。
今天的人必须好好学习，天天进步，才能在这个世界跟上潮流，有文化，爱学习的人才能在竞争中处于不败之地。“拿无知当个性”虽然死不了，但必然也是让人瞧不起的。
什么是数艺
数即数学之数，现代已经延伸为数理化之数。中国古代数学很早就已经很发达，中国古代数学体系的形成以汉代《九章算术》的出现为重要标志。
古代数学家把数学的起源归于《周易》以及“河图洛书”，如宋朝时期著名大数学家秦九韶说：“周教六艺，数实成之。学士大夫，所从来尚矣。爰自河图、洛书发秘奥，八卦、九畴错综精微，极而至于大衍、皇极之用，而人事之变无不该，鬼神之情莫能隐矣。”
训练逻辑推理的数艺
数是算数，是逻辑推理。
数在古代是指九数，一种解释为九九乘法表，另一种解释为方田、栗布、差分、少广、商功、均输、盈緾、方程、勾股九科，是关于数算能力的学问。
狭义来看包括了数学、天文、物理、化学等自然科学方面的部分，广义来看涵盖了了建筑、陶铸等方面。
六艺中间的每一艺都不是孤立的，其中多有联系。礼和乐重在伦理道德的教育培养，射和御重在身体能力的教育培养，书和数从人文科学和自然科学的两个方面的知识来教育弟子。
怎样理解古琴的文化内涵
琴，又称瑶琴、玉琴，俗称古琴，一种七弦无品的古老的拨弦乐器。琴，作为一种特殊的文化，概括与代表着古老神秘的东方思想。
古琴，在古代称作琴，还有绿绮、丝桐等别称。虽说“伏羲制琴””神农制琴”“舜作五弦琴”的传说不可信，但它的历史确实是相当悠久了。
琴最早见之于典籍的是我国第一部诗歌总集《诗经》。《诗经·周南·关雎》中的“窈窕淑女，琴瑟友之”，《诗经·小雅·鹿鸣》中的“我有嘉宾，鼓瑟鼓琴”，都反映了琴和人民生活的密切联系。
可见，三千多年前，琴已经流行。后来，由于孔于的提倡，文人中弹琴的风气很盛，并逐渐形成古代文人必备“琴、棋、书、画”修养的传统。
孔子在提倡琴乐之初就教导说君子乐不去身，君子和琴比德，唯君子能乐。操琴通乐是君子修养的最高层次，人与乐合一共同显现出一种平和敦厚的风范。
在孔子的时代，琴乐还不仅仅是后世的君子个人的修身之乐，更是容纳天地教化百姓的圣乐。于琴乐之中，孔子听到了文王圣德之声，师旷听出了商纣亡国之音。
古人相信天地的气象就蕴涵在其中，人们膜拜它，赋予它关于道德的信仰。作为“正音”，琴乐寄寓了中国千年的正统思想和文化。
古琴伴随着人民生活，为我们留下了许多动人的故事：伯牙弹琴遇知音；司马相如与卓文君借助琴来表达爱慕之心；嵇康面临死亡，还操琴一曲《广陵散》；诸葛亮巧设空城计，沉着，悠闲的琴音，智退司马懿雄兵十万；以及陶渊明弹无弦琴的故事等，都为千古传颂。“高山流水”“焚琴煮鹤”“对牛弹琴”等妇孺皆知的成语都出自和琴有关的典故。
古琴，目睹了中华民族的兴衰，反映了华夏传人的安详寂静、洒脱自在的思想内含。在古琴曲中，有一首叫《华胥引》的名曲，记载着这样一个故事。
传说黄帝夜得佳梦，梦中来到一个叫华胥国的地方。其地“国无师长”“民无嗜欲”，其国民“美恶不萌于心，山谷不踬其步，熙乐以生。”黄帝见其国之状况，羡慕不已。华胥国的国民所过的安详自在的生活，正是黄帝心中的理想生活。也可以说，黄帝的华胥之梦，正是他治国的思想境界。
古德先贤的理想，往往通过琴来表达。伏羲、神农、黄帝、虞舜等造琴的传说，在琴界流传很广，而孔子、庄子等大家也都是琴学大家。他们心目中的理想境界，在古琴文化中都表现得淋漓尽致。
如何理解博和弈的文化内涵
弈单指围棋，而博指象棋。班固《弈诣》里有“博行于世而弈独绝”的记载。《孟子－告子章句上》说道：“今夫弈之为数，小数也。不专心致志，则不得也。弈秋，通国之善弈者也。使弈秋诲二人弈，其一人专心致志，唯围棋弈秋之为听；一人虽听之，一心以为有鸿鹄将至，思援弓缴而射之，虽与俱学，弗若之矣。为是其智弗若欤，曰非，然也。”
围棋为策略性两人棋类游戏，使用格状棋盘及黑白两色棋子进行对弈。围棋起源于中国古代。推测起源时间为大约公元前6世纪。传说尧的儿子丹朱顽劣，尧发明围棋以教育丹朱，陶冶其性情。
围棋的最早可靠记载见于春秋时期的《左传》。战国时期的弈秋是见于史籍的第一位棋手。棋是指围棋，古称鸉，下围棋称为对弈、弈，棋子分黑白两色，规则简单而变化无穷，体现出鲜明的中国文化思想精髓。
华夏族原创文化，春秋时期的文献中即有记载。围棋博大精深，玄妙无穷，绝非人的智慧所能参透。作为神留给人的文化，千古以来，多少帝王将相、文人雅士，市井布衣乐此不疲，也演绎出多少传奇佳话、美文诗赋、乃至兵书演算法、治国方略，成为中华文明史上一朵绚丽的奇葩。
什么是四大江湖排局
四大江湖排局为中国古代象棋四大名局，包括七星聚会、蚯蚓降龙、野马操田、千里独行。载于《百局象棋谱》《竹香斋象戏谱》《心武残编》与《渊深海阔象棋谱》等诸多象棋古谱中。
为便于记忆起见，通常又概括成“七星聚会降龙，野马千里独行”两句。由于设计编排精巧，引人入胜，长期以来广泛流行于民间；并经历代棋手悉心钻研，推陈出新，变化丰富多采。这四个残局着法深奥、变化繁复。既是最典型的江湖排局，又是学习棋艺的经典资料，对于提高象棋实战水平，有着不可低估的作用。
“七星聚会”是清代起广泛流传于民间的四大江湖名局之一。清代出版的著名棋谱几乎都刊有此局，只是局名略有差异：其中《竹香斋象戏谱里》改名为“七星拱斗”，《心武残编》中题之为“七星同庆”，《渊深海阔》中起名为“七星曜彩”。
由于此局图势中红黑双方各有七枚棋子，故局名形象地以“七星”喻之。本局构思精巧，陷阱四伏。乍一看，红方似有胜机，棋摊前的“初生牛犊”常因求胜心切，误中设局人的圈套，故江湖艺人多以此局为谋生的法宝。
本局原谱着法袭用老式编排，重复甚多，读者读谱时往往感到变着零乱。为保持原谱风貌，且便于读者阅读，故先将“七星聚会”原谱着法整理列出，并将编排更合理的“七星聚会”新编着法罗列其后，以飨读者。
“蚯蚓降龙”是三卒单缺象对双车一兵的残局，原谱作者把双车比拟为大海中的蛟龙，而把三个小卒形容为行动缓慢、力量弱小的蚯蚓。由于特定的局势，双车被两外小卒牵制，不得随意活动，黑方得以巧运另一小卒和灵活地变换士象的位置，苦战成和，这是弱子战和强子的一个典型残局。
蚯蚓降服蛟龙，多么形象的比喻！《竹香斋象戏谱》有“尺蚓降龙”，与本局乃同局异名。
“野马操田”是大型的著名古局之一。其变化十分复杂和深奥。由于它是双车马对双车卒的典型残局，实用价值很大，因此研究此局的棋手很多。原谱为红先和，但经研究，认为此局无论如何变化，只要黑方走出官着，结论应是红先黑胜。
“千里独行”其结尾棋势是一车大战三兵。《心武残篇》以其单车进退纵横，题为“单枪赵云”。此局的另一特点是：双方交锋过程中，车、马、兵和将士、象，都能各尽所能，充分发挥各自的攻防战斗力，即所谓“将、士、象柔中有刚，车、马、兵攻不忘守”。它是研究残局中的解着、停着的好材料。
如何认别玉器年代
凡玉质坚硬细腻，温润沉重，必入土久远，其性质渐渐发生变化。如何得知玉器年代？有秘术可识：
大概入土中五百余年，玉体发松受沁；千余年则玉质似石膏，两千余年形似枯骨，三千余年烂如石灰，六千余年则不出世，早已烂化如泥了。三代以上旧玉，质已朽烂，玉体松脆，用指爪去掐，即可掐落，此玉通称“老三代”。
如果是秦汉时旧玉，质地烂松，玉性未尽，只有用刀才能削落。如果是晋魏六朝旧玉，质地未变，玉性尚坚，偶有软硬相间的玉器，系南上中的古藏之物。唐宋时的旧玉，质地依然，紧硬如故性，水银也偶尔有沁入玉器之中的。
